ELSOLDEIQUIQUE.CL Bárbara Rojas SERNATUR: Teatro y cine no tienen impacto en el turismo

InicioPolítica  Directora de Sernatur hizo explotar la pradera del Core al afirmar que…

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“Sernatur no puede realizar este tipo de eventos que son de carácter cultural, considera la fiscalía de Sernatur que someter al servicio a un proceso de suplementación de recursos en una discusión con los consejeros regionales, para eventos que no tienen un impacto directo en la actividad turística no era pertinente”, estas palabras de la directora regional de Sernatur, Bárbara Rojas incendiaron la explosiva pradera del consejo regional.

La directora regional asistió, la mañana de este jueves, al pleno del consejo regional a explicar que Sernatur no entregaría más platitas, como suplemento a proyectos como es el Festival Findaz y el Festival Internacional de Cine de Iquique, ya que ambos eventos, según Sernatur no tenían incidencia en el turismo local.

El primero en colocar el grito en el cielo, fue el presidente del Core, Rubén Berríos, que lamentó las palabras expresadas por la directora regional de Sernatur, Bárbara Rojas que los festivales de teatro y cine que se desarrollan en Iquique Glorioso no tiene impacto turístico.

“Que ella exprese públicamente que para Sernatur ni el Findaz y el Ficiqq, ambos festivales internacionales con más de 10 años de trayectoria, no son considerados por Sernatur un evento de atracción turística para nuestra región. Los que llevamos un par de años asistiendo a estos eventos sabemos de la gran convocatoria y la participación internacional (…) por lo tanto es penoso que la máxima autoridad del turismo en la región, exprese y tenga esa convicción de estas actividades”, dijo el mandamás de los consejeros regionales.

A su vez, el consejero José Carvajal, que también manifestó su molestia, pidió que la directora de Sernatur aplicara el concepto “economía creativa” a la políticas del servicio frente a los eventos culturales.

“La ‘Economía Creativa’ en el mundo se utiliza y tiene que ver como eventos culturales promueven la economía. Y, cuando entienda que un evento cultural promueve la economía, seguro que va a cambiar su opinión”, señaló el core Carvajal

Spoilers: Hablemos de Cine: ANIQUILACIÓN

En Aniquilación, la nueva película de Alex Garland disponible ya en Netflix, hay una escena donde un escalofriante monstruo acecha a nuestras protagonistas mientras ellas no pueden hacer nada para evitarlo. Esta película causa el mismo efecto en mi y, al igual que Lena, su protagonista, yo observo con miedo y fascinación.

Esta película trata sobre una ex militar y actual bióloga y profesora universitaria que se ofrece de voluntaria para explorar -junto a un equipo de mujeres profesionales- una misteriosa zona afectada por un comenta conocida como El Resplandor, donde misteriosas cosas ocurren en el medio ambiente y desde donde nadie ha podido regresar. El objetivo de la misión es descubrir el origen y el propósito de esta fuerza que lentamente está aniquilando el planeta.

El film es un thriller de ciencia ficción con elementos de terror, de gore, de cine bélico y drama que despierta el cerebro y la imaginación como ninguna película de este tipo ha hecho en muchos años. Con muy buenas actuaciones (donde las jóvenes Tessa Thompson y Gina Rodriguez se destacan por sobre las consagradas Natalie Portman y Jennifer Jason Leigh), unas visuales impresionantes, con efectos visuales digitales y prácticos combinados con maestría, un diseño de producción hermoso y espeluznante a la vez y una historia intima y bien trabajada, balanceada con interesantes escenas de acción y sci-fi, esta película es una joya que dará que hablar por mucho tiempo.

Córranse Ghostbusters y Wonder Woman, aquí hay un real film feminista.
 

Como nos demostró en Ex-Machina, Garland entiende el concepto básico del género y lo trae a nuestros tiempos a la perfección. Aniquilación es una aventura bélica de ciencia ficción solo en su superficie y es solo una historia de amor en su segunda capa. Esta gran película es un estudio del ser humano y su natural tendencia a la autodestrucción. Es un ejemplo visual de como funciona la depresión en el hombre hasta reducirlo a un ente vacío y sin propósito. Además, el director explora lo que nace de la destrucción, el renacimiento, la reconstrucción, el cambiar, el mutar. Aniquilación es una mirada a nuestra alma que no te dejará indiferente. Esta película es tan buena e importante que es una pena que no se haya estrenado internacionalmente en cines y en los tres países donde sí lo hizo, fue un fracaso.

De acuerdo con los productores, no supieron como promocionar este film por lo que decidieron venderlo a Netflix y estrenarlo en cines solo en USA, China y Canadá con una pésima estrategia de marketing. Obviamente, la película no logró superar su humilde presupuesto de 40 millones de dólares ¿Estamos en una era crepúscular del arte en el cine donde cintas provocadoras como esta y mother!, por ejemplo, no logran despertar el interés masivo del publico adormecido, fracasando en el ámbito comercial y limitando el futuro financiamiento de este tipo de obras? Es preocupante el precedente.

Aproveche que tiene una obra de arte maravillosa a un click de distancia. Vea Aniquilación ahora en Netflix y luego escuche nuestro podcast al respecto aquí o aquí.

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Spoilers: Hablemos de Cine: LA FORMA DEL AGUA

En la «award season» crece el interés por ver cine de corte mas autoral que escapa a las convenciones que vemos durante el resto del año. En esta época dejamos de lado a los superhéroes, a los robots y a los magos para darle atención a los dramas independientes de nuevos artistas y a las obras maestras de grandes consagrados.

En este último grupo es donde pertenece nuestro amigo Guillermo del Toro quien ya tiene un sello reconocido en la pantalla con piezas tan peculiares como El Laberinto del Fauno, Hellboy, La Cumbre Escarlata y Titanes del Pacífico. Su nueva película La Forma del Agua, le ha valido varios premios y 13 nominaciones a los premios Oscar; entre ellos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Actor y Actriz de Reparto, Fotografía, guión original así, todos los premios importantes. En el clásico tono de Guillermo del Toro, La Forma del Agua es un cuento de hadas de antaño, de esos que no omiten detalles escabrosos o naturalidades que ruborizarían a algún puritano. De esos que no temen mostrar la crudeza de la realidad tal como es, aunque sea en un contexto fantástico.

La película cuenta la historia de una joven conserje muda que, en 1962, trabaja en un edificio gubernamental norteamericano de alta seguridad y crea un lazo emocional con una misteriosa criatura anfibia y humanoide encontrada en algún lugar de América del Sur. Ella intentará rescatar a esta criatura de su horrible destino mientras son perseguidos por el determinado coronel Strickland.

Un cuento de hadas para adultos en el estilo de Guillermo del Toro

Al igual que en muchas grandes películas, la trama es solo el pie para contar una historia mas grande y contingente y, en este caso, Del Toro pretende mostrarnos muchas cosas: Su amor por el cine clásico, por las criaturas que invadieron la pantalla hollywoodense en su época de oro, pretende, también, contarnos lo que piensa del amor en general, del trato a las minorías, de lo que se siente ser parte una de estas y en ese pequeño lugar, encontrar algo maravilloso.

Del Toro sabe. Tiene la experiencia y el amor para crear obras maravillosas y ésta definitivamente es una de ellas. Cada nominación está totalmente merecida. Lamentablemente, esta película se ve y se siente tan calculada y diseñada para producir emoción que logra lo contrario. Cada elemento es perfecto en su ejecución por separado pero, en su conjunto, queda solo el despliegue de perfección cinematográfica estéril.

La gran falla en este film está en que no establece de manera correcta la relación entre la protagonista y el monstruo. De un momento a otro la protagonista se enamora de este ser de otra especie como una quinceañera se enamora de la estrella de rock del momento. Aunque el film sea una fantasía, las relaciones de los personajes deben ser verosímiles. Precisamente esto desarma todo lo que la película ha ido construyendo hasta ese momento. Luego dejamos de lado la historia de amor para dar paso a las violentas escenas de acción correspondientes al sello de Guillermo del Toro y concluir de manera correcta.

Definitivamente vale la pena apreciar esta obra en pantalla grande solamente por el despliegue técnico y el espectáculo visual al que nos tiene acostumbrado este cineasta mexicano.

-Sociopedro

Conversamos mas sobre La Forma del Agua en nuestro podcast que puedes escuchar en Soundcloud y en Mixcloud.

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Spoilers: Hablemos de Cine: COCO

En algún momento, Pixar asumió la responsabilidad de realizar películas animadas que pudieran llegar a los corazones de grandes y chicos a la vez sin faltarle el respeto a ninguno. Esta tarea que desarrollaron de manera impecable se vio levemente opacada el 2006 con el estreno de Cars, una película que apuntaba casi exclusivamente a los niños.

Los críticos no la quisieron mucho pero el público infantil la amó y consumió todo lo que tuviera la figura del Rayo McQueen. Este aumento en los ingresos permitió que la empresa se diera lujos con Ratatouille, Wall-E y UP, películas que tuvieron excelente recepción de la crítica y la audiencia pero que no se reflejó en el marketing (No muchos niños quisieron jugar con figuritas del sr. Fredricksen o Anton Ego) por lo que Pixar se vio obligado a compensar con secuelas descorazonadas pero financieramente exitosas como Cars 2 y 3, Monsters University y Buscando a Dory. Lamentablemente, Valiente y El Buen Dinosaurio, ideas originales, resultaron ser inferiores al resto del perfecto curriculum de la productora.

Sin embargo, el 2015 nos impresionaron gratamente con IntensaMente y este año volvieron a lograrlo con COCO, probando que Pixar aún tiene de esa magia que nos encantó a finales de los 90 y principios del 2000.

Coco es la historia de Miguel, un niño amante de la guitarra que vive en un tradicional pueblo mexicano donde la música baña cada rincón excepto en su casa donde está prohibida debido a una antigua rencilla familiar. Al acercarse la celebración del Día de Muertos, Miguel se ve envuelto en una aventura que lo llevará hasta la misma Tierra de los Muertos donde deberá encontrar la forma de regresar y cumplir una misión muy importante.

Miguel y Héctor deambulan por la Tierra de los Muertos

El norteamericano director Lee Unkrich (Toy Story 3), apoyándose en su co-director latino Adrian Molina, logra capturar de manera perfecta la mundialmente conocida tradición mexicana. Cada detalle está puesto de manera respetuosa y sutil en el film, informando todo lo que la audiencia necesita saber sobre la fiesta y la idiosincracia de sus personajes (el personaje de Abuelita es el mejor en este aspecto). Sin embargo, una construcción perfecta del mundo no sirve de mucho si no hay una fuerte historia que lo justifique. Y Coco la tiene.

La película es prácticamente una comedia de aventuras emocionantes con personajes secundarios entretenidos, mucho color y mucha música. Sin embargo, por debajo de eso se va tejiendo otro relato mucho mas íntimo que va afectando al espectador SIN QUE ESTE SE DE CUENTA hasta los últimos quince minutos del film cuando todas las piezas caen en su lugar y el corazón de la obra de Unkrich queda expuesto frente a la pantalla al igual que las lágrimas del público.

Cabe destacar que la mayoría del reparto que grabó las voces en inglés, también lo hizo en la versión doblada al español con la excepción de Benjamin Bratt, cuyo personaje Ernesto de la Cruz, fue doblado por el mismísimo Marco Antonio Solís. Un verdadero deleite. Mención honrosa a Gael Garcia-Bernal quien se luce en el papel del desgraciado Héctor.

Coco es un verdadero espectáculo. Hermosa, graciosa, tierna. Con excelente música de Michael Giacchino y con verdadero corazón latino. No se la pierdan.

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Miradoc cierra el 2017 en Iquique con última función del documental “Robar a Rodin”

  • Cerca de 400 personas ha congregado durante el presente año en Iquique, la plataforma Miradoc, que mensualmente estrena documentales nacionales en diversas salas alternativas de cine, como el Centro Cultural Doña Vicenta (Esmeralda 743, entre Vivar y B. Arana), que funciona en la capital de la región de Tarapacá.
  • Para este viernes 24 a las 19:30 horas está programada la tercera y última función de esta cinta nacional, que indaga en el hurto de una escultura de Auguste Rodin en el Museo de Bellas Artes, el 2005.
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Con la terca función del documental “Robar a Rodin”, Miradoc culmina un positivo año de exhibiciones de cine nacional en Iquique, donde a las funciones asistieron cerca de 400 personas.

Así lo manifestó la productora de Miradoc en Iquique, Daniella Oñate, quien afirmó que lograron fidelizar a personas de distintas edades y ocupaciones, “pero todas interesadas en ver cine chileno, de estreno y en formato documental, lo que nos deja muy contentos”, enfatizó y añadió que este año por la sala pasaron excelentes realizaciones, como: Niña Sombra (abril), Blanca Oscuridad (mayo), Como me da la gana II (junio), Unfinished Plan (julio), Guerrero (agosto), El color del camaleón (septiembre), JAAR (octubre) y Robar a Rodin,  que cierra el 2017.

Este documental trata la historia verídica detrás del robo más escandaloso en la historia de Chile. Fue en junio cuando los guardias del Museo Nacional de Bellas Artes notaron que una millonaria escultura de Auguste Rodin había sido robada. 24 horas después, un tímido estudiante de arte regresa la pieza argumentando que la había robado como parte de un proyecto artístico en que quería comprobar que “una obra de arte estaba más presente no estando”.

12 años más tarde, el cineasta Cristóbal Valenzuela indaga en el famoso robo entrevistando a artistas, abogados, teóricos y al propio protagonista del hurto. Robar a Rodin, producido por la destacada documentalista María Paz González y recientemente premiado como Mejor Documental Latinoamericano en FICViña, funciona como “un relato detectivesco que nos permite ironizar sobre el estado del arte contemporáneo y las contradicciones del quehacer artístico”.

“No esperábamos carcajadas”

Robar a Rodin es una historia policial y reflexiva abordada con mucho humor, y que ha despertado gran interés del público que ha visto la película, premiada como Mejor Documental Latinoamericano en FIC Viña y Mención especial del jurado en la Competencia de Cine Chileno de SANFIC. “Se sorprenden con la historia y se ríen un montón. En los festivales que hemos pasado hay carcajadas cosa que no esperábamos, aunque sabíamos que era divertida. Es una película que busca aproximarse al universo del arte desde una perspectiva bien particular. Puede resultar de interés para los teóricos del arte, pero también para el público masivo que alguna vez va al museo y muchas veces no entiende bien de qué se trata el arte contemporáneo. Esta película no intenta dar respuestas, pero si repasa el caso de un robo que nos abre varias preguntas sobre el arte, las obras y los artistas”.

La película se estrenó el 2 de noviembre y es distribuida por Miradoc en 18 ciudades y 22 salas de Arica a Punta Arenas. En Iquique la última función está programa para para este viernes 24 a las 19:30 horas en el Centro Cultural Doña Vicenta, ubicado en Esmeralda 743 (entre Vivar y Barros Arana). La entrada general vale $1.000 y $500 para estudiantes y personas de la 3° y 4° edad (ambos con credencial).

Spoilers: Hablemos de Cine: BLADE RUNNER 2049

Por supuesto que después de Sicario y La Llegada, Dennis Villeneuve era la mejor opción para dirigir la secuela del clásico que cambió las reglas del cine de ciencia ficción en 1982.

Este joven director tiene un destacado talento para crear personajes complejos y con conflictos internos fuertes; además de poseer un estilo visual que ha ido perfeccionado junto a su colaborador, el gran director de fotografía Roger Deakins, con el que han creado mucho mas que visuales espectaculares: Crean imágenes que transmiten sensaciones y que construyen universos. El mundo de Blade Runner, creado por Ridley Scott hace 35 años, está a salvo en estas nuevas manos.

30 años después de los eventos en Blade Runner, los replicantes son prohibidos por completo y los sobrevivientes son forzados a la clandestinidad. «K» es un Blade Runner que debe encontrar y «retirar» a los replicantes que encuentre. Luego de la aparición de un cofre con un misterioso contenido, «K» deberá encontrar a un niño perdido, despertando debates y contradicciones psicológicas en su interior mientras descubre su verdadera posición en el universo.

Al igual que la obra original, Blade Runner 2049 es una mezcla de cine negro y ciencia ficción. El caso que el detective debe resolver es la excusa para la prolongación de la pregunta presentada en su predecesora: «¿qué es ser Humano?» Pero la pregunta no se repite, se complementa. Villeneuve no hace un remake, no presenta una historia nueva en el mismo universo. Esta película es una legítima secuela que continúa de manera muy eficiente la historia original, expandiendo el universo de una manera que en estos tiempos se siente fresca.

Nuestra salita local no alcanza para tanta belleza.

De una forma mas competente que en The Force Awakens, por ejemplo, el universo construido por Scott en 1982 sirve como base para que Villeneuve construya el suyo y el calce es perfecto. Se mantiene el espíritu, el ritmo, el estilo en general, pero de una manera naturalmente evolucionada. En general, la película es superior a la original excepto en el soundtrack pero debe ser porque tenemos a Vangelis tan incrustados en el inconsciente que no es difícil considerar algo como mejor. La fotografía de Roger Deakins es objetivamente hermosa y perturbadora. Es el trabajo de un maestro con años de experiencia y con todos los recursos a disposición de su arte. Es precioso.

Es importante precisar que esta película no sigue las convenciones que el publico común estaría esperando de una película de ciencia ficción. La película escapa de todos los convencionalismos hollywoodenses. No hay explosiones espectaculares ni persecusiones infartantes. Es una película artística de ciencia ficción de dos horas y veinte minutos donde casi todos los conflictos son internos. Le recomiendo ver la original antes de ir a ver esta.

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Spoilers: Hablemos de Cine: EL JUEGO DE GERALD

Personalmente, me intrigan las películas que se imponen dificultades narrativas. De inmediato uno sabe que se enfrentará a algo distinto, a algo nuevo. A algo que Hollywood necesita.

Luego de la encantadora Okja, Netflix nos presenta «El Juego de Gerald». Basada en una novela de Stephen King considerada hasta ahora «infilmable» y dirigida por Mike Flanagan, es la historia de Jessi, quien junto a su marido Gerald deciden pasar un fin de semana romántico en una lejana y solitaria cabaña. En un intento por reavivar su vida sexual, Jessi es esposada a la cama matrimonial por Gerald quien, sorpresivamente, sufre un paro cardíaco cayendo muerto sobre su mujer. Al verse imposibilitada de escapar, Jessi entra en un estado psicótico que la llevará por un viaje devastador a los rincones mas oscuros de su vida.

Con un increíble diseño de producción minimalista, excelentes actuaciones y un muy buen guión, esta película logra esposarte a tu asiento, obligándote a experimentar junto con Jessi su descenso hacia la locura; es de esas películas tan devastadoras que uno no quiere repetirse. La protagonista no debe enfrentarse a un monstruo o un fantasma, debe enfrentarse a ella misma y es impresionante como el director logra transmitir eso en una película que transcurre en una sola habitación y con su personaje principal inmovilizado.

Carla Gugino se luce a pesar de las restricciones

«El Juego de Gerald» no es como «127 Horas» en la que el tema es la fuerza proveniente del espíritu. Esta no es una película de superación física sino espiritual. Las esposas de Jessi no se comparan con las aprehensiones que ella misma se ha impuesto durante su vida. Hasta podríamos decir que este film es una película feminista en el sentido en que trata de una mujer liberándose de las ataduras sociales impuestas sobre ella durante siglos.

El trabajo de cámara es especialmente notable en el sentido que explora cada centímetro de la habitación para mostrarnos siempre un punto de vista distinto; los planos no se repiten, hay jump cuts con propósitos narrativos que funcionan muy bien, y el uso del color, aunque no siempre sutil, es muy bello. El sonido es utilizado con maestría para separar la realidad de las alucinaciones y para resaltar el terror creciente en Jessi. Técnicamente la película utiliza recursos clásicos para desarrollar el suspenso sin caer en los artilugios de siempre utilizados en el género.

Esta arriesgada apuesta de Netflix ha resultado ganadora; muchos ya la consideran una de las mejores películas del año. Yo estoy entre esos. El Juego de Gerald es una prueba mas de que el cine no necesita presupuestos inmensos para cautivar. La imaginación y la creatividad es todo.

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Spoilers: Hablemos de Cine: ¡MADRE!

Que tesoro es poder experimentar esta película en una sala de cine comercial en una ciudad donde «Minions» estuvo en cartelera durante meses. La nueva película de Darren Aronofsky, director de perturbadoras cintas como Requiem por un Sueño, Pi: Fe en el Caos y El Cisne Negro es un desafío para el espectador. Una obra de arte financiada por Paramount Pictures. Una apuesta demasiado arriesgada.

A muy grandes rasgos, ¡madre! es la historia de un matrimonio compuesto por  «Madre«, una joven mujer y «Él«, un ya maduro escritor con bloqueo creativo, quienes viven en una remota casa en medio de un bosque. La casa ha sido el eterno hogar de Él y está siendo remodelada por Madre luego de ser destruida por un voraz incendio. Una noche son visitados por «Hombre«, un misterioso hombre quien es extrañamente muy bien recibido por el dueño de cada despertando sospechas en Madre. Luego llega «Mujer«, esposa de «Hombre» (y lo mejor de la película), complicando aún todo mas para «Madre». Decir que, desde ahí, las cosas se ponen «extrañas» es poco. Sin deja la confusión de lado ni por un segundo, la película va lentamente entrando en el terreno de lo fantástico y lo irreal hasta llegar a niveles tan inexplicables como maravillosos y desgarradores. ¿Notaron los nombres de los personajes principales? Raro ¿cierto?

Esta película está loca.

Tu cara viendo «¡madre!»

La cinta ha obtenido diversas reacciones y personalmente vi gente levantarse de sus asientos y abandonar la sala en medio de risas de confusión, prueba de lo acostumbrados que estamos a ver siempre la misma historia contada de la misma manera. Cuando llega una película como ¡madre! es natural que la reacción del público que fue a ver una cinta de terror convencional se sienta confundida y culpe a la obra de ser «mala» o «fome«. No creo haber visto jamás una película como esta. Esta no es la película de horror que quieres ver. Esto es algo mas. Mucho mas.

Esta película es Darren Aronofsky haciendo lo que quiere, sin restricciones y censuras. Es expresión artística salvaje y en pleno.

Es importante resaltar que ¡madre! no es una película convencional, es casi una obra de teatro filmada de manera exquisita, llena de desconcertantes primeros planos que comprimen aún mas el mundo de la protagonista. Todo aquí es una metáfora o una alegoría; nada es lo que parece y todo representa o significa algo mas. Aquí no está la respuesta a quien es el asesino, que espíritu está poseyendo la casa o cual es la solución al horror. No. El valor de la película está en que, como buena obra de arte, la interpretación te la deja a ti. Para mi, el film es una historia sobre ser mujer en un mundo machista, es sobre el efecto del éxito y la fama en quienes te rodean, es sobre el proceso creativo, es sobre la lucha entre el ego y el instinto, es sobre Dios, la Tierra y la humanidad, es sobre el amor y el ser humano. Es sobre el sacrificio. Es sobre eso y sobre todo lo que tu mente pueda descubrir.

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Spoilers: Hablemos de Cine: MAMÁ SE FUE DE VIAJE

Mamá se fue de Viaje es una comedia argentina que en este momento la está rompiendo en nuestros países vecinos y de verdad es un deleite ver una película de esta factura en nuestra sala local.

Ariel Winograd es un director con vasta experiencia en comedias y se nota su manejo tanto con los actores como con la cámara. Sabe construir comedia desde estos dos flancos y mayormente su trabajo es un éxito. Los primeros diez minutos son maravillosos y con un despliegue técnico de producción impresionante que de entrada ya  sabes que esta es una película de gran presupuesto y de grandes risas.

La historia trata sobre Victor y Vera, un matrimonio acomodado y padres de cuatro chicos. Cuando la mamá finalmente se harta de ser tratada como empleada decide irse de vacaciones a Machu Pichu dejando al padre al mando de la casa y de los revoltosos chiquillos. Obviamente cunde el pánico a niveles absurdos hasta llegar a un espectacular clímax donde… bueno, ustedes ya saben.

Un conejo en llamas

Si la trama les suena parecida es porque es la misma idea del capítulo de Los Simpsons «Homero se queda solo» donde Marge decide irse de vacaciones a Rancho Relaxo dejando a Homero con los niños. Bueno, resulta que Winograd es un GRAN fan de Los Simpsons y esta película es un homenaje latinoamericano al legado de Matt Groening. Y funciona.

El film tiene niveles de comedia ridículos pero que calzan perfecto en el mundo que el director construye, la película se deja ver con liviandad y a pesar de ser una trama familiar, los gags son originales o, al menos muy bien filmados y sacan buenas risas. Es importante resaltar el nivel de la fotografía, la cámara es muy importante a la hora de crear comedia o resaltar emociones. Hay unos planos secuencias muy interesantes donde la cámara serpentea por toda la casa y el maravilloso lente de Felix Monti siempre está sobre algo hermoso de ver.

Pero si hay algo de verdad destacable es la actuación del reparto, especialmente los niños (El bebé Lolo se roba la película) que transmiten una honestidad impresionante y que, a pesar de sus personajes ser unos chiquillos miserables, aún logran hacerte reír.

En general es una comedia familiar liviana de alta producción y muchas risas que vale la pena ver en pantalla grande. No se la pierdan.

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Spoilers: Hablemos de Cine: BABY, EL APRENDIZ DEL CRIMEN

Baby, El Aprendiz del Crimen es una de las películas mas suculentas que ha llegado a las salas locales este año. El guionista y director Edgar Wright utiliza cada centímetro de la pantalla y cada decibel que explota por los parlantes para entregarte información, sensaciones o simplemente algún entretenido detalle que enriquezca la experiencia. Esta película es una muy bien contada historia y, al mismo tiempo, una experiencia cinematográfica única.

Baby es un joven y misterioso chofer especializado en escapes de la policía a alta velocidad por las calles de Atlanta, EE.UU. siempre con increíble música en sus oídos, la que utiliza para sincronizar sus escapes y vivir su vida. Trabaja para Doc, quien se encarga de organizar distintos robos con diferentes equipos de trabajo siendo Baby el único constante en los atracos. Baby quiere dejar el mundo del crimen y huir junto a su novia Debora pero no será tan fácil.

En apariencia este film podría parecer un knock off de Rápido & Furioso pero es mucho mas que eso. A diferencia de las películas de acción convencionales, Baby, el Aprendiz del Crimen no olvida que la acción debe ser siempre una extensión del personaje; El virtuosismo de Baby al volante y el maravilloso soundtrack no son solo decisiones estéticas, son producto del conflicto interno por el que pasa el protagonista. Así, nosotros como espectadores nos comprometemos emocionalmente con lo que ocurre en pantalla.

Y actúa Flea, de los Red Hot Chili Peppers. Caso cerrado.

Otra de las peculiaridades en el cine de Edgar Wright es su obsesión por los easter eggs o pequeños detalles ocultos en la imagen y el sonido. Todas sus películas son verdaderos desafíos a los sentidos y nos obligan a revisar su filmografía una y otra vez. Ésta, su sexta película, no es la diferencia. Eventualmente notarán detalles obvios como las letras de las canciones del soundtrack escondidas a través de la pantalla o los balazos al ritmo de la música pero de seguro se escaparán varios detalles mas: tu cerebro sabe que vio algo pero no sabe que es lo que vio.

Con escenas de acción trepidantes, una banda sonora encantadora, un montaje de lujo, coreografías perfectas, un reparto espectacular con dos ganadores del Oscar y una dirección impecable, Baby, El Aprendiz del Crimen se suma a la lista de buenas películas que nos ha entregado Hollywood este año.

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SANFIC13 anuncia su programación y confirma a Matt Dillon como invitado especial

La decimotercera versión de Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC, organizado por CorpArtes, contará con más de 100 películas internacionales y chilenas, incluyendo producciones exhibidas y premiadas en certámenes como Cannes, Berlín y Venecia. Entre los largometrajes habrá 7 estrenos mundiales y 14 premieres latinoamericanas.

Además, tras el anuncio de la visita del destacado director de fotografía Rainer Klausmann, SANFIC dio a conocer al actor estadounidense Matt Dillon como segundo invitado especial de esta edición del certamen.

Desde el 20 al 27 de agosto se realizará la decimotercera edición de Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC13, organizado por CorpArtes, producido por Storyboard Media y co-financiado por el Fondo Audiovisual Programa de Apoyo a Festivales de Trayectoria Convocatoria 2017 – 2018. En conferencia de prensa, se anunció la programación completa del certamen que incluirá la jornada de inauguración, invitados especiales, cine familiar gratuito, espacio para la industria y la exhibición de cerca de 100 producciones internacionales y nacionales -incluyendo tanto largometrajes como cortometrajes-, entre los que destacan atractivos estrenos del cine chileno e importantes producciones internacionales, contando con 7 estrenos mundiales y 14 premieres latinoamericanas. Las exhibiciones serán en CineHoyts -sede oficial del festival desde sus inicios-, en las salas de Parque Arauco y La Reina. Además de exhibiciones en Fundación CorpArtes, Cineteca Nacional y Cine Radicales. La entrada general tiene un valor de $3.000, y aún quedan disponibles abonos para estudiantes y tercera edad $9.000 (5 entradas), y abonos para público general $12.500 (5 entradas).

En la ocasión, la organización confirmó a Matt Dillon como invitado especial para SANFIC 13. El reconocido actor y director estadounidense de cine y televisión, ha sido candidato a los Premios Oscar, Globos de Oro, Premios BAFTA, Premio del Sindicato de Actores y Premio Donostia a la trayectoria en el Festival de San Sebastián. Ha trabajado con conocidos directores, tales como Francis Ford Coppola, Arthur Penn, Cameron Crowe, Anthony Minghella y Gus Van Sant, por nombrar algunos; y entre sus realizaciones y participaciones más destacadas se encuentran La ley de la calle (Rumble Fish, 1983), Drugstore Cowboy (1995), Todo por un sueño(1995), junto a Nicole Kidman, Loco por Mary (1998), Criaturas salvajes (1998), La ciudad de las sombras (2003, cinta que escribió, dirigió y protagonizó) y Crash (2006). Este año actuó en la comedia Un golpe con estilo, junto a Morgan Freeman, Michael Caine y Christopher Lloyd, entre otros. Próximamente estrenará la más reciente película de Lars Von Trier, The House That Jack Built, donde también actúan Riley Keough, Uma Thurman y Bruno Ganz. En el marco de su visita, SANFIC13 realizará una retrospectiva que incluirá reconocidos títulos de su filmografía y además un encuentro con el público: Lado CA – SANFIC, en el cual el actor hablará de su carrera cinematográfica.

Esto se agrega a los anuncios previamente confirmados: la película inaugural del certamen será La cordillera, estrenada mundialmente en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes, el trabajo más reciente del director argentino Santiago Mitre, protagonizado por Ricardo Darín, Dolores Fonzi y Erica Rivas, cuenta con las actuaciones del estadounidense Christian Slater y de los chilenos Paulina García y Alfredo Castro. Mitre y Fonzi estarán en la jornada inaugural.

Otro anuncio previo es la visita del reconocido director de fotografía Rainer Klausmann, que formará parte del jurado de la Competencia Internacional; este destacado profesional ha trabajado junto a cineastas tan reconocidos como Werner Herzog y Fatih Akin, cuyo más reciente largometraje, In the Fade, estrenado y premiado este año en el Festival de Cannes, será presentado por Klausmann en SANFIC. Además, se exhibirá una retrospectiva con algunos de las colaboraciones más elogiadas de Klausmann, entre ellas Fitzcarraldo, Gasherbrum, la montaña luminosa, Lecciones en la oscuridad, El padre, Contra la pared, Al otro lado y Soul Kitchen.

Competencias y jurados

Como es tradición, SANFIC13 contará con dos competencias de largometrajes -Competencia Internacional y Competencia de Cine Chileno-, además de la Competencia Cortometraje Talento Nacional, la nueva propuesta SANFIC Educa, que se suma a SANFIC Familia, Maestros del Cine, Visiones del Mundo y Shoot the Shooter, que incluirá trabajos de la artista Yoko Ono, entre otros.

La Competencia Internacional cuenta con nueve producciones: Autumn, Autumn (Corea del Sur), de Jang Woo-jin; La familia (Venezuela-Chile-Noruega), de Gustavo Rondón Córdova; La novia del desierto (Argentina-Chile), de Valeria Pivato y Cecilia Atan; Los territorios (Argentina-Brasil), de Iván Granosvky; Makala (Francia), de Emmanuel Gras; No intenso agora (Brasil), de João Moreira Salles; Porto (Portugal-Estados Unidos-Francia-Polonia), de Gabe Klinger, Resucitando a Hassan (Chile-Canadá), de Carlo Guillermo Proto; Verano 1993 (España), de Carla Simón. El jurado estará compuesto por Rainer Klausmann (Alemania), Nathalia Videla (Argentina), fundadora de Magma Cine, y la actriz de cine, teatro y televisión Aline Kuppenheim (Chile).

Por su parte, la Competencia de Cine Chileno presenta ocho largometrajes, incluyendo cuatro premieres mundiales y cuatro estrenos nacionales. Realizarán su estreno mundial en esta competencia: los documentales En tránsito, de Constanza Gallardo Vásquez, Jaar, el lamento de las imágenes, de Paula Rodríguez Sickert, y Robar a Rodin, de Cristóbal Valenzuela, y la ficción Sapo, de Juan Pablo Ternicier. En tanto, las premieres nacionales que participan en esta competencia son: El color del camaleón, de Andrés Lübbert, La madre, el hijo y la abuela, de Benjamín Brunet; La memoria de mi padre, de Rodrigo Bacigalupe Lazo y Reinos, de Pelayo Lira. El jurado estará integrado por Francisca Gavilán, actriz chilena de cine, teatro y televisión, el mexicano Iván Trujillo, director del Festival de Cine en Guadalajara, y Víctor Gaviria, director de cine, guionista, poeta y escritor colombiano.

La Competencia Cortometraje Talento Nacional presenta A tres asaltos, de Raúl Pinto; Après la Nage, de Jonathan Alvan Prado; Bilateral, de Andrea Castillo; De Toro, de Zacarías Iglesias Santi; El Amor, de Nicolás Guzmán; El camino de los perros, de Sebastián Cuevas; El sueño de Ana, de José Luis Torres Leiva; Haciendo sombra, de Iara Acuña; Here’s the Plan, de Fernanda Frick; Hombre, de Juan Pablo Arias Muñoz; Hombre eléctrico, de Alvaro Muñoz; Home, de Nicolás Acuña; Il Discobolo, de Diego Escobar; La duda, de Juan Cáceres; La rima de la última fila, de Claudio Figueroa; Lecciones de vuelo, de Patricio Pino; Máquina, de Tomás Samael; Newentün, de Tomás González; Premonición, de Leticia Akel Escárate; Problemas con el sonido, de Bernardo Quesney; Sigo acá, de Tana Gilbert. Los jurados para esta competencia son: Carla Simón (España), directora de cine y escritora, Maike Mia Höhne (Alemania), curadora de la sección Berlinale Shorts, y el director de cine y televisión Oscar Godoy (Chile).

Cine para toda la familia

SANFIC Familia-Educa, actividad familiar realizada por CorpArtes, traerá películas procedentes de países como Alemania, Austria, Francia y Noruega para público infantil y juvenil. SANFIC Educa, propuesta que debuta en el certamen, se desarrollará de manera gratuita entre el 22 y 25 de agosto -previa inscripción en educacion@corpartes.cl-, mientras que SANFIC Familia se llevará a cabo entre el 21 y 27 del mismo mes. En total son seis las películas a exhibirse en ambas categorías: La tortuga roja, La vida de Calabacín, A la misma altura, Chico fantasma, ¡Pucha! y Stefan Zweig: Adiós a Europa. Además, la nueva iniciativa de CorpArtes ofrecerá actividades para los niños y jóvenes, a través de Cápsulas Educativas, Ficha de Arte, Cuaderno Educativo y Talleres Creativos.

SANFIC Industria

Para esta nueva versión de SANFIC INDUSTRIA, a realizarse entre el 21 y el 25 de agosto, el certamen seguirá desarrollando y potenciando este espacio que comenzó hace cinco versiones, con actividades que permiten el contacto e intercambio entre los diversos agentes de la industria audiovisual, incluyendo directores, productores, distribuidores, agentes de ventas, programadores de festivales nacionales e internacionales, representantes de fondos, entre otros.

Esta sexta versión, realizada gracias al cofinanciamiento del Programa de Apoyo para la Realización de Encuentros Internacionales en Chile 2016 – 2017, del Fondo de Fomento Audiovisual, cuenta con importantes alianzas estratégicas a nivel nacional e internacional, destacando en esta edición el trabajo junto a la Fundación SGAE (Sociedad General de Autores y Editores de España) y su programa Cruzando Fronteras, mediante el cual Santiago Lab por primera vez abrió su convocatoria a Iberoamérica. A esto se suman instituciones como la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile (DIRAC), la Comisión Fílmica de Chile (FCCh), Tribeca Film Institute, Sundance Film Festival, Industria del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, DocsMX, Chemistry Cine, Blood Window, Embajada de Argentina en Chile, LatamCinema, entre otros.

Las principales actividades que tendrá SANFIC INDUSTRIA son: Work in Progress Latinoamericano, Santiago Lab, SANFIC NET y Premio Kinêma, que entrega la Comisión Fílmica de Chile.

Premiadas películas y prestigiosos directores

En SANFIC 13 también podremos disfrutar de la sección Visiones del Mundo, en sus distintas categorías. Primero, Visiones del Mundo / Documental, que presenta 76 minutos y 15 segundos con Abbas Kiarostami (Irán), dirigida por Seifollah Samadian, Avería (Alemania), dirigida por Philip Scheffner, Cheques Matta (Chile), del director Leo Contreras Barahona, Chavela (Estados Unidos, México y España), dirigida por Catherine Gund y Daresha Kyi y El vendedor de orquídeas (Venezuela-México), de Lorenzo Vigas. Luego, Visiones del Mundo / Drama, que tendrá a Casa sin techo (Alemania – Suiza), dirigido por Soleen Yusef, El invierno (Argentina – Chile) de Emiliano Torres, protagonizada por el destacado actor, director y dramaturgo chileno Alejandro Sieveking, El vigilante (México), de Diego Ros y Todo lo demás (México) de la directora Natalia Almada. También, Visiones del Mundo / Matices del humor, que está compuesto por Kissing? (Grecia) de Yannis Korres, People that are not me (Israel) del director Hadas Ben Aroya y Stanley a Man of Variety (Inglaterra), dirigida por Stephen Cookson y donde el conocido actor Timothy Spall interpreta a 16 personajes distintos. Y Visiones del Mundo / Suspenso puro, que incluye Generación lobo (Canadá), dirigida por Christian de la Cortina, y donde actúa el chileno Sergio Hernández, La posesión de Altair (México) de Víctor Dreyre y La valija de Benavidez (Argentina) dirigida por Laura Casabé.

Una de las categorías de SANFIC más esperadas por los cinéfilos en cada edición es Maestros del Cine, que estrena en Chile los más recientes trabajos de prestigiosos realizadores, varios de ellos premiados en los principales festivales del mundo, destacando especialmente en esta oportunidad la presencia de cinco de los títulos más elogiados y comentados de este año en la competencia oficial del Festival de Cannes. En esta edición se exhibirán: El otro lado de la esperanza (Finlandia), de Aki Kaurismäki; El seductor (Estados Unidos), de Sofia Coppola; El viajante (Francia – Irán), de Asghar Farhadi; Good Time (Estados Unidos), de Josh Safdie y Benny Safdie; Graduación (Francia, Rumania y Bélgica), de Cristian Mungiu; I am not your Negro (Estados Unidos), de Raoul Peck; In the Fade (Alemania) de Fatih Akin; La mujer del animal (Colombia), de Víctor Gaviría; La región salvaje (México), de Amat Escalante; Paraíso (Rusia), de Andréi Konchalovski; Personal Shopper (Francia), de Olivier Assayas; Take Me Home (Irán), de Abbas Kiarostami; The Day After (Corea del Sur), de Hong Sangsoo; la ganadora de la Palma de Oro este año en Cannes, The Square (Suecia, Alemania, Francia y Dinamarca), de Ruben Östlund, y Una serena pasión (Inglaterra), de Terence Davies.

Función Especial presenta Amereida (Chile) de Javier Correa, El cine alemán, ese amor maldito (Alemania) de Dominik Graf y Johannes F. Sievert, la mencionada La cordillera (Argentina – Chile) de Santiago Mitre, además de las cintas Nada pertenece a la memoria (Chile) de José Luis Torres Leiva y To be a Teacher (Alemania) de Jakob Schmidt.

Gracias a la mencionada alianza con la Fundación SGAE, el certamen presentará un Foco Español con recientes producciones hispanas, que incluyen algunos títulos nominados y distinguidos en los Premios Goya: Demonios de tus ojos, de Pedro Aguilera, El olivo, de Icíar Bollaín, En el mismo barco, de Rudy Gnutti, La próxima piel, de Isaki Lacuesta e Isa Campo y La puerta abierta, de Marina Seresesky. Además, gracias a la colaboración del Centro Cultural España, este Foco incluirá también un clásico de la cinematografía mundial: El ángel exterminador, de Luis Buñuel.

Y finalmente, SANFIC13 dispondrá de la sección Shoot the Shooter, que contará con trabajos audiovisuales de la reconocida artista internacional Yoko Ono, enmarcados dentro de la exposición Yoko Ono: Dream Come True, que se realiza en CorpArtes hasta el 22 de octubre.

SANFIC 13, Santiago Festival Internacional de Cine, es un proyecto organizado por Fundación CorpArtes, producido por Storyboard Media y co-financiado por el Fondo Audiovisual Programa de Apoyo a Festivales de Trayectoria Convocatoria 2017 – 2018. La información detallada de esta versión del festival -títulos, secciones, días, horarios, lugares de exhibición y actividades- estará disponible desde el 7 de agosto en el sitio en sanfic.com, corpartes.cl y cinehoyts.cl, además de las redes sociales Facebook/Sanfic y @sanficfestival.

Se Amplian los días y se suman películas, ven a disfrutar del Cine en la Casa de la Cultura en Tocopilla

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Película “Bichos” se exhibirá de manera gratuita en el Centro Cultural de Alto Hospicio

Este 29 de julio a las 17 horas se exhibirá la película infantil “Bichos, una aventura en miniatura” de manera gratuita en el Centro Cultural de Alto Hospicio, ubicado en Los Tamarugos 3031.

La iniciativa se enmarca en la despedida de las vacaciones de invierno, oportunidad donde los niños de la comuna podrán disfrutar de esta entretenida animación que cuenta la historia de una ingeniosa hormiga llamada Flik, quien contrata a un grupo de guerreros para defender a su colonia de una banda de saltamontes, liderados por el malvado Hopper.

El alcalde Patricio Ferreira, junto al cuerpo de concejales, invitó a la comunidad a asistir ese sábado al Centro Cultural con sus hijos para así disfrutar de una entretenida tarde, detallaron además que para asistir a la función sólo se debe ir el día de la exhibición.

“Este evento es gratuito para toda la comunidad, en especial para los más pequeños. Queremos que disfruten de una entretenida tarde y por eso hemos decidido exhibir esta película, que sabemos les va a gustar. Esperamos que los niños hospicianos hayan disfrutado de sus vacaciones de invierno y con esto queremos que despidan las despidan de manera entretenida”, comentó el alcalde Patricio Ferreira.

Película

“Bichos, una aventura en miniatura”, es una película que tiene una duración de 95 minutos, cuyo nombre original es A Bug’s Life.

Según se relata en esta animación infantil un grupo de saltamontes asalta cada verano la colonia de hormigas donde vive Flick, para apoderarse de las provisiones que han recogido durante el invierno. Un día, Flick abandona el hormiguero y parte en busca de insectos guerreros que les ayuden a defenderse de los temibles saltamontes, pero, al final, acaba reclutando a una compañía circense.

Spoilers: Hablemos de Cine: EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA

Finalmente y de manera muy paulatina Hollywood se está dando cuenta de lo importante de recuperar la calidad narrativa en los blockbusters internacionales. Esta película está tan bien hecha que hace que las dos anteriores sean retroactivamente mejores.

Junto con Deadpool y Logan, El Planeta de Los Simios: La Guerra comprueba que en estos tiempos es posible entregar una película fantástica y de consumo masivo capaz de conmover, de provocar, de motivar el diálogo y la reflexión y, al mismo, tiempo mantenernos entretenidos con visuales extraordinarias, personajes interesantes, efectos especiales de última generación y escenas de acción trepidante.

El Planeta de los Simios: La Guerra es el tercer capítulo en este reboot de la saga original iniciada en 1968. César, el líder, junto a su tribu de simios inteligentes, ha logrado huir de la cacería humana durante dos años luego de los eventos de El Planeta de los Simios: Confrontación pero cuando las cosas se ponen personales, nuestro protagonista irá tras el malvado Coronel McCullough y su ejercito en un viaje, tanto físico como emocional, que tendrá un alto costo para él.

El drama personal de ese gorila es otra historia de sufrimiento que este film se da el tiempo de explorar a la perfección.

El director Matt Reeves logra cerrar esta historia con una película de una escala gigante y proporciones bíblicas, que te dejará con el corazón en la mano, cuestionando tu lugar en la Tierra y en la historia. Los efectos especiales que dieron vida a esta nueva raza de simios me conmovió a un nivel al que no llegaba desde Gollum en El Señor de los Anillos. Después de pocos minutos te olvidas que estás viendo animaciones digitales y de verdad logras emocionarte. El trabajo de Andy Serkis como César es tan increíble que cada vez que se le nombra, se debate si se debería entregar un Oscar a la mejor interpretación MoCap y en esta oportunidad su esfuerzo es impresionante: César es una criatura real que existe, siente, piensa, razona y sufre.

La película es una épica de acción y ciencia ficción rellena de tanto dramatismo y emoción que las escenas de violencia son desagradables a la vista. El desarrollo de los personajes digitales está tan bien hecho que es primera vez en el cine en la que los humanos en el público están en contra de los humanos en la pantalla y nadie lo cuestiona. En el caso de los humanos, también es posible entender totalmente sus motivaciones, sus frustraciones y sus miedos. Las escenas en las que César y el Coronel se enfrentan cara a cara son, definitivamente, las mas potentes del film.

La historia viaje entre una saga de ciencia ficción, una película de guerra, un drama de venganza y un montón de géneros mas, incluso pequeños destellos de comedia para aguantar tanto sufrimiento. Esta es una película difícil. No es para ir a pasarla bien disfrutando de efectos especiales impresionantes: Es un debate sobre la humanidad y la naturaleza, es una historia de dolor y lucha, de esperanza. Es un comentario sobre lo horrible de la guerra; sobre lo que implica ser humano. Sobre el espíritu.

De manera muy segura puedo decir que esta trilogía está a la par de otras grandes como El Señor de los Anillos, The Dark Knight y Volver al Futuro. Un nuevo clásico.

Pedro Pizarro

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Rainer Klausmann: el reconocido director de fotografía llega a SANFIC 13

Colaborador de cineastas como Werner Herzog y Fatih Akin, el artista alemán vendrá al certamen, organizado por CorpArtes, como jurado de la Competencia Internacional y presentará su último film In the Fade, estrenado este año en el Festival de Cannes.

SANFIC, Santiago Festival Internacional de Cine, organizado por CorpArtes y producido por Storyboard Media, anunció interesantes novedades. En esta oportunidad, se trata de la llegada de una figura de renombre internacional como jurado de la Competencia Internacional del certamen: Rainer Klausmann.

El reconocido director de fotografía suizo-alemán, quien cuenta con más de tres décadas de trayectoria, ha destacado con elogiadas y premiadas colaboraciones junto a realizadores como Oliver Hirschbiegel, Doris Dörrie, Fatih Akin, entre otros, varias de las cuales han sido estrenadas y exhibidas en los festivales más importantes del mundo.

En los inicios de su carrera cinematográfica, a principios de los años 80, colaboró por primera vez con el aclamado director y guionista Werner Herzog, como segundo operador de cámara en Fitzcarraldo y como asistente de cámara en Donde sueñan las hormigas verdes. Posteriormente, fue director de fotografía en otros largometrajes del director alemán, incluyendo Grito de piedra y Lecciones en la oscuridad. 

Durante esta versión de SANFIC13, Klausmann presentará el largometraje In the Fade (2017), del director Fatih Akin, en la sección “Maestros del Cine”, en calidad de premiere latinoamericana, el cual fue estrenado este año en la competencia oficial del Festival de Cannes y protagonizado por Diane Kruger, quien por su interpretación ganó el premio a Mejor Actriz en dicho certamen. 

Retrospectiva

No es primera vez que el talento de Rainer Klausmann se hace presente en SANFIC: fue también parte de la sexta y décima edición del certamen, con la exhibición de sus películas Soul Kitchen y El padre, respectivamente, ambas del director Fatih Akin. En esta decimotercera versión del festival, el director de fotografía nos visitará por primera vez, y además de ser jurado, será objeto de una retrospectiva cinematográfica que mostrará siete de sus elogiadas contribuciones artísticas, entre ellas, la legendaria Fitzcarraldo (1982), de Werner Herzog, en la cual Klausmann fue segundo operador de cámara; The Dark Glow of the Mountains (1985); Lecciones de oscuridad (1992) y El padre (2014). Además, sus films Contra la pared (2004), Soul Kitchen (2009) y Al otro lado (2007) estarán disponibles en formato 35mm y se exhibirán en la Cineteca Nacional.

Otros títulos que destacan de su filmografía:

Grito de piedra, de Werner Herzog (1991)

El experimento, de Oliver Hirschbiegel (2001)

Solino, de Fatih Akin (2002)

Head-On, de Fatih Akin (2004)

La caída, de Oliver Hirschbiegel (2004)

El pescador y su mujer, de Doris Dörrie (2005)

Invasión, de Oliver Hirschbiegel (2007)

Diana, de Oliver Hirschbiegel (2013)

SANFIC 13, organizado por CorpArtes y producido por Storyboard Media, ya anunció la Competencia de Cine Chileno, SANFIC Familia-Educa y los estrenos mundiales Cabros de mierda y Nada pertenece a la memoria, además de la película argentina El invierno, con el reconocido actor, director y dramaturgo chileno Alejandro Sieveking como protagonista.

Abono SANFIC13:

Desde el martes 11 de julio están a la venta los abonos de SANFIC13, en CineHoyts Parque Arauco y CineHoyts La Reina. Válido para cinco entradas de funciones del festival, $12.500 entrada general y $9.000 estudiantes / tercera edad.

SANFIC 13 suma tres nuevas películas a su programación

Organizado por CorpArtes y producido por Storyboard Media, la decimotercera versión de Santiago Festival Internacional de Cine exhibirá los estrenos mundiales Cabros de mierda y Nada pertenece a la memoria, y la cinta argentina El invierno, con Alejandro Sieveking como protagonista.

SANFIC 13 dio a conocer tres nuevos largometrajes que serán parte de la decimotercera edición del festival, a realizarse del 20 al 27 de agosto. Se trata del estreno mundial de dos producciones nacionales: Nada pertenece a la memoria, del director José Luis Torres Leiva y Cabros de mierda, de Gonzalo Justiniano. Ambas estarán en la categoría “Función Especial”. Completa este anuncio la elogiada ópera prima del argentino Emiliano Torres, El invierno, que estará en la sección “Visiones del Mundo: Drama” y es protagonizado por el reconocido actor chileno Alejandro Sieveking.

El documental más reciente del realizador nacional José Luis Torres Leiva –de quien hemos exhibido Ningún lugar en ninguna parte y El tiempo que se queda, en la primera y tercera edición de nuestro festival respectivamente, además de ganar el premio a la Mejor Dirección en la Competencia de Cine Chileno de SANFIC 9 con Ver y escuchar­­­–, Nada pertenece a la memoria, presenta la vida y obra del destacado realizador y montajista Pedro Chaskel, una de las figuras fundamentales del cine chileno contemporáneo. A través de un álbum de fotografías íntimas y una serie de recuerdos domésticos, se reconstruyen las obras más importantes de su carrera, además de revelar sus verdaderas motivaciones.

En tanto, Cabros de mierda de Gonzalo Justiniano –de quien en SANFIC7 exhibimos ¿Alguien ha visto a Lupita? y además fue jurado de la Competencia Internacional– está ambientado en la dictadura de Augusto Pinochet. Y se centra en Gladys, una joven atractiva que vive en un barrio marginal de Santiago, junto a su familia. De pronto, reciben a un misionero llamado Samuel Thompson, quien con su cámara registra de primera fuente el difícil presente que vivió Chile en ese entonces.

Finalmente, estrenada en el Festival de San Sebastián, donde ganó el Premio del jurado y el Premio a la Mejor Fotografía, y además de ser exhibida en múltiples certámenes internacionales, El invierno, debut del director trasandino Emiliano Torres, es protagonizado por el dramaturgo y actor chileno Alejandro Sieveking. La cinta se interna en la esencia del campo patagónico argentino, y nos muestra a Evans, un viejo capataz, que recibe a un grupo de trabajadores para una nueva temporada de esquila.

SANFIC 13, organizado por CorpArtes y producido por Storyboard Media, ya anunció la Competencia de Cine Chileno y SANFIC Familia-Educa.

Abono SANFIC13:

Desde el próximo martes 11 de julio estarán a la venta los abonos de SANFIC13, en CineHoyts Parque Arauco y CineHoyts La Reina. Válido para cinco entradas de funciones del festival, $12.500 entrada general y $9.000 estudiantes / tercera edad.

 

Películas anunciadas:

Cabros de mierda

Chile, 2017, 118’

Director: Gonzalo Justiniano (Santiago, Chile, 1955).

Algunos trabajos anteriores: Los hijos de la Guerra Fría (1985), Sussi (1988), Caluga o menta (1990), Amnesia (1994), B-Happy (2003).

Durante la dictadura de Pinochet, Gladys es una joven atractiva, valiente y de carácter, quien vive el día a día en un barrio marginal de Santiago, junto a su madre y su pequeña hija, ambas llamadas Gladys. Un día, reciben en su casa a un joven misionero: Samuel Thompson, quien viene a predicar la palabra de Dios y las bondades del progreso. Con su cámara, Samuel registrará cómo la población resiste en este escenario adverso, entre ollas comunes, niños sin padres y las primeras grandes protestas. El largometraje más reciente del cineasta chileno Gonzalo Justiniano –de quien en SANFIC7 exhibimos ¿Alguien ha visto a Lupita? y además fue jurado de la Competencia Internacional- retrata al país en plena dictadura de la mano de una mujer que, como muchas, luchó por no perder el sueño de la libertad.

El invierno The Winter

Argentina, 2016, 95’

Director: Emiliano Torres (Buenos Aires, Argentina, 1971).

Trabajos anteriores: Este es su primer largometraje.

La ópera prima del cineasta argentino Emiliano Torres, fue estrenada en el Festival de San Sebastián –donde ganó el Premio del Jurado y a Mejor Fotografía– y ha sido exhibida en festivales como Zurich, Biarritz, La Habana y Toulouse. Evans, un viejo capataz de una estancia patagónica, recibe a un grupo de trabajadores que llegan para participar de una nueva temporada de esquila. Entre ellos destaca Jara, un joven hábil y silencioso llegado de una lejana provincia. Los trabajos llegan a su fin y Evans ve cómo sus peores temores se vuelven realidad: luego de una vida dedicada a ese lugar y a ese trabajo, es despedido y reemplazado por Jara. El cambio no será fácil para ninguno de los dos, cada uno a su manera deberá encontrar la forma de sobrevivir al siguiente invierno.

Nada pertenece a la memoria

Chile, 2017, 60’

Director: José Luis Torres Leiva (Santiago, Chile, 1975).

Algunos trabajos anteriores: Los soñadores (2016), El viento sabe que vuelvo a casa (2016), Ver y escuchar (2013), ¿Qué historia es esta y cuál es su final? (2013), Verano (2011), El cielo, la tierra y la lluvia (2008),  El tiempo que se queda (2007), Ningún lugar en ninguna parte (2004).

El reconocido director chileno José Luis Torres Leiva –de quien hemos exhibido Ningún lugar en ninguna parte y El tiempo que se queda, en la primera y tercera edición de nuestro festival, respectivamente, además de ganar el premio a la Mejor Dirección en la Competencia de Cine Chileno de SANFIC 9 con Ver y escuchar­­­– estrena mundialmente su más reciente trabajo, centrado en una de las figuras fundamentales del cine chileno contemporáneo: el destacado realizador y montajista Pedro Chaskel. A partir de recuerdos domésticos, se reconstruyen las obras más importantes de su carrera y sus motivaciones. Un álbum de fotografías, además de atesorar una historia personal, esconde una serie de contextos que le permite a la memoria evocar con aún más desahogo e intimidad.

Spoilers: Hablemos de Cine: SPIDER-MAN: DE REGRESO A CASA

Una de las formulas con las que Marvel intenta distinguir sus películas unas de otras es mezclar el ahora existente «género de súper héroes» con algún otro género pre existente: Capitán América y El Soldado del Invierno mezcla el género del cine de espionaje, Ant-Man: El Hombre Hormiga es una película sobre ladrones organizados y Guardianes de la Galaxia es una ópera intergaláctica. Spider-Man: De Regreso a Casa es una comedia adolescente. Y está muy bien hecha.

No me mal entiendan, esto sigue siendo una hamburguesa Marvel de consumo rápido pero este combo es premium. Estudiado y ejecutado a la perfección.

Spider-Man: De Regreso a Casa no es una historia de origen. No hay ni araña radioactiva, ni tío Ben. La historia continúa desde Capitán América: Guerra Civil y explora las ganas de Spider-Man de convertirse en un Vengador y lo que tiene que hacer para lograrlo.

Pero también es la historia de Peter Parker, un joven muy inteligente pero retraído, que vive con su tía y que debe lidiar con las presiones comunes de la adolescencia.

Esta película es para adolescentes, por si acaso.

Durante su metraje, la cinta presenta el constante enfrentamiento entre los adultos y los jóvenes sin ser discursiva, presentando con ejemplos y no con discursos el ya conocido tema de Spider-Man: «un gran poder conlleva una gran responsabilidad».

La película está hecha con bastante destreza, la historia se desenvuelve ante tus ojos sin la necesidad constante de explicarte lo que está sucediendo y cuando lo hace, lo hace con justificación; el humor está impecable al igual que la puesta en escena, el casting está perfecto, la fotografía muy colorida y el montaje está bien dirigido.

«Vulture», el villano, debe ser uno de los villanos mas novedosos y atractivos en el mundo cinematográfico Marvel. No es al aburrido semidiós ambicioso ni el científico loco incomprendido por el mundo ni ninguno de los clichés que este universo cohesionado nos viene entregando desde el 2008. Vulture está a la altura del héroe y, a pesar de que la película no tiene grandes set-pieces, comparada con sus compañeras, la gracia de Homecoming es su impecable ejecución.

De alguna forma, este film es todo lo que nos gusta de Marvel pero sin los vicios como el hoyo en el cielo o el villano invencible que, al final, es fácilmente derrotable; es una muy entretenida comedia juvenil con una que otra escena de acción trepidante. No lo pasaba tan bien con una cinta de Marvel en una sala de cine desde Ironman.

Pedro Pizarro

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Spoilers: Hablemos de Cine: OKJA

Que tiempos estamos viviendo en que una producción cinematográfica de alto presupuesto, de atractivo masivo y con gran valor artístico está disponible de manera inmediata y legal a través de una plataforma como Netflix. Una película que pasó de estrenarse en el festival de Cannes directamente a las pantallas caseras del mundo. Una película hecha por uno de los directores coreanos mas interesantes del último tiempo. Son tiempos de revolución.

Okja es la historia de la corporación Mirando, su presidenta Lucy Mirando y su producto estrella: un supercerdo gigante de exquisito sabor que podrá ser vendido de manera masiva al mundo. Como parte de la investigación sobre el desarrollo del animal, y también como estrategia publicitaria, varios ejemplares son enviados a diferentes granjas alrededor del mundo con el objetivo de elegir al mejor desarrollado en diez años.

Uno de estos impresionantes animales se transforma en la mascota de Mija, una niña coreana de 13 años quien la bautiza como Okja y no se detendrá ante nada para recuperarla una vez que es llevada a Nueva York como la ganadora de este “concurso” televisivo animado por el ridículo Dr. Johnny.

En medio de una espectacular e improvisada misión de rescate, Mija se encuentra con Jay y su banda de animalistas terroristas pacifistas quienes le revelarán la verdad sobre Okja y la ayudarán en su empresa.

Tilda Swinton y Gus Fring, de Breaking Bad, son los malos por si te quedaba alguna duda de lo buena que es esta película.

Bong Joon Ho nos presenta esta historia en un formato de cuento de hadas con un vuelco oscuro que la lleva, comenzando con aires muy amigables para la familia, a transformarse en una sátira, en una aventura de acción, luego en un drama ecologista y una cinta de terror entre otros géneros sin dejar de ser una fábula encantadora con un discurso y un mensaje muy claro. Se podrán imaginar que las similitudes con el cine de Hayao Miyazaki van mas allá de la superficial comparación con Mi Vecino Totoro.

La habilidad del director para manejar los distintos elementos que componen el film es muy importante porque él sabe en que plataforma se exhibirá su trabajo. Esta vez no es solo Corea o los Estados Unidos; es el mundo. Por eso esta historia es universal, es multicultural, apela muchos sentimientos, a una diversa gama de temas sin casarse con ninguno y sin dejar de tener una visión clara, sin ser un enredo desastroso. Sabiendo que su audiencia no tendrá la concentración de un público en una sala de cine, Okja se pasea por distintos géneros exitosamente.

Okja es, al mismo tiempo, un blockbuster de entretención masiva y una obra de arte discursiva, delicada y hermosa. Esta vez tenemos a nuestro alcance de manera legal una preciosa y muy entretenida película que nos dejará pensando en temas importantes. No se la pierda.

-Pedro Pizarro

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SANFIC 13 anuncia los títulos de la Competencia de Cine Chileno

La decimotercera versión de Santiago Festival Internacional de Cine, tendrá en su categoría nacional cuatro premieres mundiales y cuatro estrenos nacionales, mostrando particulares puntos de vista de los nuevos directores chilenos.

Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC -organizado por CorpArtes y producido por Storyboard Media-, anunció los ocho largometrajes que participarán en su Competencia de Cine Chileno, compuesta por cuatro ficciones y cuatro documentales. La decimotercera versión del certamen se llevará a cabo desde el 20 al 27 de agosto, en Santiago de Chile.

La selección incluye los estrenos mundiales de los documentales: “En tránsito”, de Constanza Gallardo Vásquez; “Jaar, el último lugar”, de Paula Rodríguez Sickert, “Robar a Rodin”, de Cristóbal Valenzuela, y la ficción “Sapo”, de Juan Pablo Ternicier. En tanto, las premieres nacionales que participan en esta competencia son: “El color del Camaleón”, de Andrés Lübbert, estrenado mundialmente en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara; “La madre, el hijo y la abuela”, de Benjamín Brunet; “La memoria de mi padre”, de Rodrigo Bacigalupe Lazo, que participó en el Festival de Málaga; y “Reinos”, de Pelayo Lira, estrenada en la Competencia Internacional de la pasada edición de Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente.

En este sentido Carlos Núñez, Director Artístico de SANFIC, comenta que “esta competencia es uno de los hitos principales del certamen. Este año exhibimos en calidad de premiere, produciones de nuevos directores nacionales que abordan diversas temáticas: familiares, políticas, sobre diversidad sexual, la juventud, ruralidad y el arte. Todas muy actuales y con vocación de público“.

A su vez, Francisca Florenzano, Directora Ejecutiva de CorpArtes, destaca: “Uno de nuestros objetivos fundamentales como Fundación CorpArtes, es contribuir en la creación de proyectos nacionales de todos los ámbitos de la cultura. La Competencia de Cine Chileno de SANFIC13 es, sin duda, una forma de avanzar en este sentido, puesto que otorga una posibilidad real a los cineastas chilenos que buscan desarrollar sus propias producciones“.

“Desde nuestros inicios hemos tenido como propósito transformar a SANFIC en una de las principales plataformas de desarrollo y fomento para el cine chileno, tanto a nivel nacional como internacional”, explica Gabriela Sandoval, directora de SANFIC INDUSTRIA. “En esta nueva versión podemos confirmar este objetivo, ya que varias de las óperas primas en competencia han participado en los diferentes espacios de versiones anteriores de SANFIC INDUSTRIA, tales como Santiago LAB, SANFIC NET: Mesas de negocios, y Work in Progress Latinoamericano”, agrega.

En esta versión, el jurado de la Competencia de Cine Chileno estará compuesto por un conjunto de personalidades del mundo cinematográfico nacional e internacional, quienes deberán elegir los ganadores de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actuación.

Las postulaciones para las actividades que ofrece el espacio de SANFIC INDUSTRIA: Santiago LAB, SANFIC NET y Work in Progress Latinoamericano continúan abiertas hasta el 29 de junio. Mientras que el plazo para postular al Premio Kinema, que entrega la Comisión Fílmica de Chile del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, se extenderá hasta el 30 del mismo mes.

Películas de la Competencia de Cine Chile en SANFIC13

El color del camaleón

2017, 87’

Director: Andrés Lübbert

Durante la dictadura de Pinochet, Jorge, con 21 años, se convirtió en un instrumento de los servicios secretos chilenos, quienes lo forzaron a trabajar para ellos de una forma extremadamente violenta. Finalmente logra escapar de Chile a Europa, donde se convierte en un camarógrafo de guerra, oficio que lo ha llevado a todas las zonas de conflicto en el mundo. Hoy su hijo Andrés hace un retrato psicológico de su padre, y juntos indagan en las profundidades del pasado inconcluso de Jorge.

En tránsito

2017, 65’

Directora: Constanza Gallardo Vásquez

Cuatro personas transexuales deambulan por lugares cotidianos, que de alguna manera les parecen extraños y amenazantes. Transitan entre los habitantes de Chile como si llevaran un pesado disfraz. Mara (24) es poetisa, estudiante de pedagogía y activista; Gis (18) está tratando de terminar el colegio mientras trata de convivir con sus dos madres, quienes no entienden su transición; Patricia (35) es una empoderada mujer trabajadora que, sin embargo, tiene miedo de decirle al resto del mundo su verdad; finalmente Matías (14) tiene una bella familia, pero vive en un pequeño pueblo montañés con una población que tiene una opinión hostil acerca de las personas transgéneras. A través de sus vidas cotidianas sabremos lo difícil que es vivir en un país que no les entiende ni tiene un lugar para ellos.

Jaar, el último lugar

2017, 70’

Directora: Paula Rodríguez Sickert

Este documental observa el proceso creativo de Alfredo Jaar, uno de los artistas más relevantes del arte contemporáneo. Sus obras abordan desde la emigración en la frontera entre México y USA, el genocidio en Ruanda o el golpe militar en Chile. Jaar cree que el arte es “el último lugar” de libertad en nuestra sociedad, y desde esta trinchera despliega su obra como un acto de resistencia.

La madre, el hijo y la abuela

2017, 88’

Director: Benjamín Brunet

Actores: Ana Gallegos, María Muñoz, Gonzalo Aburto

Después de la erupción, Cristóbal, un joven adoptado, aficionado a la fotografía, llega a Chaitén, su ciudad natal. A través de un proyecto fotográfico, trata de rescatar parte de sus raíces aún desconocidas, fotografiando los escombros, casas llenas de cenizas y lugares destruidos por el volcán, que podrían haber sido su hogar. Es aquí donde conoce a Ana, una fuerte mujer que vive con María, su anciana madre. A pesar de estar muy enferma y de las insistencias de Ana, María se rehúsa a abandonar su destruida pero amada ciudad. Cristóbal, Ana y María formarán una provisoria familia, afrontando la enfermedad, la soledad y viviendo intensos momentos de cambio. Un proyecto fotográfico que se hace realidad.

La memoria de mi padre

2017, 87’

Director: Rodrigo Bacigalupe Lazo

Actores: Jaime Mc Manus, Tomás Vidiella, María Izquierdo, Romina Mena, Tamara Tello, Marcial Tagle, Mireya Sotoconil, Luz Jiménez

Alfonso es un reprimido adaptador de comedias norteamericanas para la TV, quien a los 50 años y a raíz de la muerte de su madre, se ve obligado a hacerse cargo de un padre que no soporta, ya que es el vivo reflejo de sus propios defectos afectivos y tozudeces. Ahora el senil está perdiendo la memoria, convirtiéndose en un niño alejado de aquel hombre fuerte que fue, y está obsesionado con que su mujer sigue viva, perdida en un hospital de la costa. ¿Podrá Alfonso convivir con el peso de sus propios recuerdos y lo desconcertante del presente?

Reinos

2017, 79’

Director: Pelayo Lira

Actores: Diego Boggioni, Daniela Castillo, Sol Rodríguez, Alex Quevedo, Mauro Vaca, Gastón Salgado, Astrid Roldán, Paula Zúñiga

Alejandro, un estudiante de primer año y Sofía, una tesista de último, se conocen en la Universidad y construyen una relación en la que él se enamora mientras que ella sólo quiere satisfacer sus deseos sexuales. Con el tiempo, los comportamientos adolescentes de Alejandro provocarán el rechazo de Sofía que debe pensar cómo resolver su futuro. Al final, cada uno deberá descubrir qué es lo que realmente necesita.

Robar a Rodin

2017, 80’

Director: Cristóbal Valenzuela

Una mañana de junio de 2005, los guardias del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, notaron que una millonaria escultura de Auguste Rodin, había sido robada. 24 horas después del suceso un tímido estudiante de arte regresa la pieza argumentando que la había robado como parte de un proyecto artístico en que quería comprobar que “una obra de arte estaba más presente no estando”. Pasada una década de este suceso, artistas, abogados, teóricos y el propio protagonista del robo reviven este episodio artístico-delictual a través de este documental articulado como un absurdo relato detectivesco que nos permite ironizar sobre el estado del arte contemporáneo y las contradicciones del quehacer artístico.

Sapo

2017, 79’

Director: Juan Pablo Ternicier

Actores: Fernando Gómez-Rovira, Loreto Aravena, Mario Horton, Ingrid Isensee

Valparaíso, 1985. El periodista Jeremías Gallardo despacha desde el correo el final de una larga historia de crímenes que cometieron dos ex carabineros, y que tuvo a la opinión pública conmocionada. Jeremías es el único periodista que entrevista a los dos carabineros Sagredo y Topp Collins, y registra el momento de la ejecución de la sentencia, la última pena de muerte aplicada por un tribunal chileno. Esa misma noche, Jeremías deberá asistir al nacimiento de su primera hija. En su retorno a la capital, la carretera se encargará de revivir en él momentos de su oculto pasado ligado a los servicios de inteligencia de la época.

 

SANFIC 13 anuncia los títulos de la Competencia de Cine Chileno

La decimotercera versión de Santiago Festival Internacional de Cine, tendrá en su categoría nacional cuatro premieres mundiales y cuatro estrenos nacionales, mostrando particulares puntos de vista de los nuevos directores chilenos. 

Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC -organizado por CorpArtes y producido por Storyboard Media-, anunció los ocho largometrajes que participarán en su Competencia de Cine Chileno, compuesta por cuatro ficciones y cuatro documentales. La decimotercera versión del certamen se llevará a cabo desde el 20 al 27 de agosto, en Santiago de Chile.

La selección incluye los estrenos mundiales de los documentales: “En tránsito”, de Constanza Gallardo Vásquez; “Jaar, el último lugar”, de Paula Rodríguez Sickert, “Robar a Rodin”, de Cristóbal Valenzuela, y la ficción “Sapo”, de Juan Pablo Ternicier. En tanto, las premieres nacionales que participan en esta competencia son: “El color del Camaleón”, de Andrés Lübbert, estrenado mundialmente en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara; “La madre, el hijo y la abuela”, de Benjamín Brunet; “La memoria de mi padre”, de Rodrigo Bacigalupe Lazo, que participó en el Festival de Málaga; y “Reinos”, de Pelayo Lira, estrenada en la Competencia Internacional de la pasada edición de Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente.

En este sentido Carlos Núñez, Director Artístico de SANFIC, comenta que “esta competencia es uno de los hitos principales del certamen. Este año exhibimos en calidad de premiere, produciones de nuevos directores nacionales que abordan diversas temáticas: familiares, políticas, sobre diversidad sexual, la juventud, ruralidad y el arte. Todas muy actuales y con vocación de público“.

A su vez, Francisca Florenzano, Directora Ejecutiva de CorpArtes, destaca: “Uno de nuestros objetivos fundamentales como Fundación CorpArtes, es contribuir en la creación de proyectos nacionales de todos los ámbitos de la cultura. La Competencia de Cine Chileno de SANFIC13 es, sin duda, una forma de avanzar en este sentido, puesto que otorga una posibilidad real a los cineastas chilenos que buscan desarrollar sus propias producciones“.

“Desde nuestros inicios hemos tenido como propósito transformar a SANFIC en una de las principales plataformas de desarrollo y fomento para el cine chileno, tanto a nivel nacional como internacional”, explica Gabriela Sandoval, directora de SANFIC INDUSTRIA. “En esta nueva versión podemos confirmar este objetivo, ya que varias de las óperas primas en competencia han participado en los diferentes espacios de versiones anteriores de SANFIC INDUSTRIA, tales como Santiago LAB, SANFIC NET: Mesas de negocios, y Work in Progress Latinoamericano”, agrega.

En esta versión, el jurado de la Competencia de Cine Chileno estará compuesto por un conjunto de personalidades del mundo cinematográfico nacional e internacional, quienes deberán elegir los ganadores de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actuación.

Las postulaciones para las actividades que ofrece el espacio de SANFIC INDUSTRIA: Santiago LAB, SANFIC NET y Work in Progress Latinoamericano continúan abiertas hasta el 29 de junio. Mientras que el plazo para postular al Premio Kinema, que entrega la Comisión Fílmica de Chile del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, se extenderá hasta el 30 del mismo mes.

Películas de la Competencia de Cine Chile en SANFIC13

El color del camaleón

2017, 87’

Director: Andrés Lübbert

Durante la dictadura de Pinochet, Jorge, con 21 años, se convirtió en un instrumento de los servicios secretos chilenos, quienes lo forzaron a trabajar para ellos de una forma extremadamente violenta. Finalmente logra escapar de Chile a Europa, donde se convierte en un camarógrafo de guerra, oficio que lo ha llevado a todas las zonas de conflicto en el mundo. Hoy su hijo Andrés hace un retrato psicológico de su padre, y juntos indagan en las profundidades del pasado inconcluso de Jorge.

En tránsito

2017, 65’

Directora: Constanza Gallardo Vásquez

Cuatro personas transexuales deambulan por lugares cotidianos, que de alguna manera les parecen extraños y amenazantes. Transitan entre los habitantes de Chile como si llevaran un pesado disfraz. Mara (24) es poetisa, estudiante de pedagogía y activista; Gis (18) está tratando de terminar el colegio mientras trata de convivir con sus dos madres, quienes no entienden su transición; Patricia (35) es una empoderada mujer trabajadora que, sin embargo, tiene miedo de decirle al resto del mundo su verdad; finalmente Matías (14) tiene una bella familia, pero vive en un pequeño pueblo montañés con una población que tiene una opinión hostil acerca de las personas transgéneras. A través de sus vidas cotidianas sabremos lo difícil que es vivir en un país que no les entiende ni tiene un lugar para ellos.

 

Jaar, el último lugar

2017, 70’

Directora: Paula Rodríguez Sickert

Este documental observa el proceso creativo de Alfredo Jaar, uno de los artistas más relevantes del arte contemporáneo.Sus obras abordan desde la emigración en la frontera entre México y USA, el genocidio en Ruanda o el golpe militar en Chile. Jaar cree que el arte es “el último lugar” de libertad en nuestra sociedad, y desde esta trinchera despliega su obra como un acto de resistencia.

 

 

La madre, el hijo y la abuela

2017, 88’

Director: Benjamín Brunet

Actores: Ana Gallegos, María Muñoz, Gonzalo Aburto

Después de la erupción, Cristóbal, un joven adoptado, aficionado a la fotografía, llega a Chaitén, su ciudad natal. A través de un proyecto fotográfico, trata de rescatar parte de sus raíces aún desconocidas, fotografiando los escombros, casas llenas de cenizas y lugares destruidos por el volcán, que podrían haber sido su hogar. Es aquí donde conoce a Ana, una fuerte mujer que vive con María, su anciana madre. A pesar de estar muy enferma y de las insistencias de Ana, María se rehúsa a abandonar su destruida pero amada ciudad. Cristóbal, Ana y María formarán una provisoria familia, afrontando la enfermedad, la soledad y viviendo intensos momentos de cambio. Un proyecto fotográfico que se hace realidad.

 

La memoria de mi padre

2017, 87’

Director: Rodrigo Bacigalupe Lazo

Actores: Jaime Mc Manus, Tomás Vidiella, María Izquierdo, Romina Mena, Tamara Tello, Marcial Tagle, Mireya Sotoconil, Luz Jiménez

Alfonso es un reprimido adaptador de comedias norteamericanas para la TV, quien a los 50 años y a raíz de la muerte de su madre, se ve obligado a hacerse cargo de un padre que no soporta, ya que es el vivo reflejo de sus propios defectos afectivos y tozudeces. Ahora el senil está perdiendo la memoria, convirtiéndose en un niño alejado de aquel hombre fuerte que fue, y está obsesionado con que su mujer sigue viva, perdida en un hospital de la costa. ¿Podrá Alfonso convivir con el peso de sus propios recuerdos y lo desconcertante del presente?

Reinos

2017, 79’

Director: Pelayo Lira

Actores: Diego Boggioni, Daniela Castillo, Sol Rodríguez, Alex Quevedo, Mauro Vaca, Gastón Salgado, Astrid Roldán, Paula Zúñiga

Alejandro, un estudiante de primer año y Sofía, una tesista de último, se conocen en la Universidad y construyen una relación en la que él se enamora mientras que ella sólo quiere satisfacer sus deseos sexuales. Con el tiempo, los comportamientos adolescentes de Alejandro provocarán el rechazo de Sofía que debe pensar cómo resolver su futuro. Al final, cada uno deberá descubrir qué es lo que realmente necesita.

Robar a Rodin

2017, 80’

Director: Cristóbal Valenzuela

Una mañana de junio de 2005, los guardias del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, notaron que una millonaria escultura de Auguste Rodin, había sido robada. 24 horas después del suceso un tímido estudiante de arte regresa la pieza argumentando que la había robado como parte de un proyecto artístico en que quería comprobar que “una obra de arte estaba más presente no estando”. Pasada una década de este suceso, artistas, abogados, teóricos y el propio protagonista del robo reviven este episodio artístico-delictual a través de este documental articulado como un absurdo relato detectivesco que nos permite ironizar sobre el estado del arte contemporáneo y las contradicciones del quehacer artístico.

Sapo

2017, 79’

Director: Juan Pablo Ternicier

Actores: Fernando Gómez-Rovira, Loreto Aravena, Mario Horton, Ingrid Isensee

Valparaíso, 1985. El periodista Jeremías Gallardo despacha desde el correo el final de una larga historia de crímenes que cometieron dos ex carabineros, y que tuvo a la opinión pública conmocionada. Jeremías es el único periodista que entrevista a los dos carabineros Sagredo y Topp Collins, y registra el momento de la ejecución de la sentencia, la última pena de muerte aplicada por un tribunal chileno. Esa misma noche, Jeremías deberá asistir al nacimiento de su primera hija. En su retorno a la capital, la carretera se encargará de revivir en él momentos de su oculto pasado ligado a los servicios de inteligencia de la época.