Spoilers: Hablemos de cine: GREEN BOOK: UNA AMISTAD SIN FRONTERAS

Siguiendo los pasos de Adam McKay, el director Peter Farrelly se aleja de las comedias sexuales de humor adolescentes para aventurarse en un terreno ligeramente distinto con GREEN BOOK: UNA AMISTAD SIN FRONTERAS y logra un éxito que no ha estado exento de polémicas.

Esta es la historia de Tony, un padre de familia italoamericano de clase media en los Estados Unidos del 1960, bruto, racista, medianamente ignorante pero de buen corazón, y de como nace una inesperada amistad con el Dr. Don Shirley, un exitoso pianista de color y de clase alta que, a pesar de su talento y sus logros, no puede escapar de los prejuicios y la discriminación racista del país y la época en que viven, durante una gira musical por el sur del país en donde Tony será el chofer y asistente personal del Dr. Shirley.

Lo mas importante en películas como esta es la química entre los protagonistas y de verdad que después de ver Green Book, no me molestaría si Mortensen y Ali protagonizaran algún remake bizarro de Arma Mortal o Miami Vice; es un deleite verlos a ambos en dinámicos niveles y tonalidades a través de la concepción de su amistad, y el toque de buddy comedy con la que Farrelly guía el relato, hace la película mas entrañable aún y creo que es importante para los tiempos que vivimos en nuestro país en que los problemas de racismo existen pero no a los niveles de los que aún se recupera EE.UU.

Me pregunto que opinarán los gringos respecto de este enfoque liviano con el que se enfrenta este delicado e histórico tema para ellos.

Viggo Mortensen es uno de los matones de Robert DeNiro en Analize This.

Farrelly se propone ridiculizar el racismo exponiendo constantemente lo absurdo del concepto pero sin caer en contradicciones como hizo en Shallow Hal; y su tesis es que el remedio para curar el racismo es conocernos, comprendernos y aceptarnos. Es un punto de vista bastante simplista para una película que compite por el premio a Mejor Película en los Oscars con BlacKkKlansman, de Spike Lee.

Han habido criticas hacia la película acusando al personaje de Mahershala Ali de «Magic Negro Friend», un template de personaje de ficción en que un personaje oprimido pero con sabiduría y paciencia, le enseña al blanco bruto e ignorante a ser mejor persona. Puede que exista esta lectura pero, Green Book no es la historia de dos personajes, es la historia de Tony. Es su arco. Tampoco quiero decir que el Dr. Shelley no lo tenga, solo que no sucede en paralelo con el de Tony.

Esta película es deliciosa en el sentido en que es una historia esperanzadora, contiene un buen (aunque meloso) mensaje, las actuaciones de todos están muy correctas y las risas abundan a través de todo el film. A pesar de ser una película de Peter Farrelly, no hay chistes escatológicos, vale la pena aclarar.

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Spoilers: Hablemos de Cine: VERTIGO

Un gran aporte a la cultura cinéfila es lo que ha estado haciendo Cinemark Chile en nuestra ciudad con su exitoso ciclo de Clásicos En Cinemark. Mensualmente, hemos podido disfrutar en pantalla grande de diversos clásicos como El Padrino, Los Cazafantasmas, Grease y hasta El Rey León. Durante Octubre, podremos disfrutar la denominada obra maestra de Alfred Hitchcock: VERTIGO.

Y que importante es poder verla en nuestros cines.

Vertigo es de esas películas denominadas «de culto», cintas que durante su estreno no obtuvieron la gracia ni del público ni de la critica, ganando reconocimiento con el pasar de los años. Esto demuestra lo adelantado a su época que fue Hitchcock. Esta película es un trabajo sensorial, visual y auditivo diseñado con una minuciosidad tan precisa y poco común para finales de los cincuenta, que sigue siendo una maravilla hasta el día de hoy.

Scottie es un detective ya retirado debido a una lesión traumática que lo dejó con acrofobia causada durante una persecución. Es contactado por un viejo amigo, empresario y poderoso, quien le pide que vigile a Madeleine, su esposa, debido a comportamientos erráticos y potencialmente peligrosos que la mujer ha estado teniendo. Durante su investigación, ambos se conocen y se enamoran y Scottie cae en un espiral de misterio, intriga y muerte.

Aunque Psicosis es la película mas reconocida de Alfred Hitchcock, Vertigo ha sido denominada como su obra maestra debido a la forma en que utiliza todas las herramientas cinematográficas disponibles no solo para contar la historia central de la película, sino también para crear un universo, para plantear un discurso y para causar emociones. Esta película tiene un trabajo de cámara y de fotografía increíbles donde los colores no solo se ven brillantes y hermosos, desde los créditos iniciales creados por el fascinante Saul Bass hasta la alucinante secuencia del sueño de Scottie, también tienen una función narrativa importante y ver a Hitchcock jugar con la luz, los colores y los movimientos de la cámara es un deleite.

Un trabajo de dirección fino envuelto en la maravillosa música de Bernard Herrmann hacen de Vertigo una experiencia imperdible en los cines. No se la pierdan, hay poquitas funciones durante Octubre.

Revisa los horarios y reserva tus entradas AQUÍ.

-Sociopedro

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Spoilers: Hablemos de Cine: MISIÓN IMPOSIBLE: REPERCUSIÓN

Los «efectos especiales» eran los trucos que los cineastas debían presentarnos para contarnos historias fantásticas. Antes de la estandarización digital del cine, cada película debía desarrollar sus propios efectos para mostrarnos algo nunca antes visto. Y tenía que ser algo que ocurriera en cámara -en vivo- porque esa realidad palpable que se traspasa al espectador es irremplazable… Y por que no existían las computadoras ni los efectos digitales.

Con la llegada de los producción digital y su bajo costo en la actualidad, cualquier película puede recurrir a estos modernos «efectos especiales», incluso bodrios como The Room tiene escenas filmadas con fondos digitales, en palabras de su propio director, solo porque pueden. Los efectos dejaron de ser «especiales» cuando todos pudieron hacerlos ¿que gracia tiene ahora ver volar a Superman? ¿que gracia tiene ver una ciudad destruida por un ataque extraterrestres? ¿cuantas veces lo hemos visto?

Tom Cruise y Misión Imposible: Repercusión recuperan el espectáculo hollywoodense de antaño ofreciendo una clásica aventura de espías, ambientada en lugares exóticos, con hombres valientes y mujeres hermosas (y viceversa), villanos perversos, giros en la trama, escenas de acción y efectos únicos. Nunca antes vistos.

Especiales.

Nombro a Tom Cruise antes que a la película porque él es el motor detrás de todo esto. Él es el espectáculo de la misma forma en que Indiana Jones es la fuerza detrás de sus películas. Y no digo Harrison Ford porque en el caso de Tom Cruise, él e Ethan Hunt se mezclan y se pierden entre el uno y el otro. Tom Cruise nunca rompe el personaje que está interpretando pero la película no deja de recordarte que es Tom Cruise quien está en cámara arriesgando su vida en delirantes secuencias de riesgo para tu entretención.

Esta película es basicamente Jackass

En un océano donde todos los peces son iguales, Misión Imposible 6 destaca por su originalidad. Definitivamente uno puede decir que esto es algo que nunca se había visto, porque de verdad es algo que nunca se había hecho. El nivel de acrobacias y riesgos que alcanza esta película es impresionante no solo por lo que se ejecuta sino también por haber podido capturarlo en cámara de manera eficiente. Ir al cine a ver esta película equivale a ir a un concierto de alguna banda de rock. Es una experiencia que solo una banda de rock pueden brindarte.

Cuando hablo de originalidad, no me refiero a la historia. Aquí la historia es la excusa para que la acción ocurra. Y funciona perfecto. No queremos nada mas. Esta película no es sobre lo que se trata, si no como se trata. Es la clásica historia de espías donde los buenos deben encontrar a los malos y quitarles el plutonio antes que explote la bomba. Pero la trama es solo el patio de juegos donde el director Christopher McQuarrie y Tom Cruise despliegan todo el arsenal de locuras que estuvieron pensando desde el rodaje de la entrega anterior, la también admirada Rogue Nation, hasta el comienzo del rodaje. Cruise practicó y ensayó durante años las peripecias que su personaje realiza en pantalla y su esfuerzo no es en vano. La película exuda adrenalina y testosterona pero, por sobre todo, amor por el cine real.

Mientras veía a Tom Cruise correr por Londres, saltar desde un avión al vacío y pilotar salvajemente un helicóptero, no dejaba de pensar en lo ridícula que se veía la cara de Mark Rufallo pegada sobre la animación digital del Hulkbuster en Avengers: Infinity War y en como ni Hulk, ni Iroman, ni Thor, ni Batman ni Superman han hecho ni jamás harán lo que Tom Cruise hace en en esta película… Bueno, tal vez Superman.

Rodada en película de 35 mm, Misión Imposible: Repercusión es la vuelta al cine de acción clásico hollywoodense, cuando los vaqueros eran de verdad y se disparaban balas de verdad. Totalmente recomendada.

Sociopedro

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Spoilers: Hablemos de Cine: LOS INCREÍBLES 2

Mientras Marvel se proponía estrenar 20 películas en 10 años (bueno, 19) para cimentar su Universo Cohesionado y Star Wars nos prometía que todos los años tendríamos una nueva película sin importar su calidad, Pixar y el director Brad Bird, fieles a sus convicciones y a su espíritu de narradores, decían «no habrá una secuela de Los Increíbles hasta que haya una buena historia que contar». 14 años después, «Los Increíbles 2» se exhibe en nuestras salas y es maravillosa.

Soy de las personas que sufre «fatiga de superhéroes» y que este tipo de filmes lo deja indiferente -es posible que haya escrito esto antes- pero este film es prueba de que el problema no es el género (si, yo diría que ya podemos hablar de «género de superhéroes) si no del tratamiento y las motivaciones para su existencia.

Comenzando en donde termina su antecesora, Los Increíbles derrotan al Underminer causando clásicos estragos de superhéroes en la ciudad. El Estado cancela el programa de subvención para superhéroes en retiro y los Parr quedan en la calle. Un millonario empresario les ofrece entrar en un programa que promete volver a legitimizar a los supers y es Elastigirl quien debe ser la embajadora, dejando a Mr. Increíble en la casa, al cuidado de los niños.

Definitivamente, Los Increíbles 2 entran en la pequeña lista de secuelas que son iguales o mejores que la original. No es sorpresa que cada película Pixar sea visualmente mas impresionante que la anterior y la actualización de los diseños de los personajes es impresionante. El nivel de realismo alcanzado en estas películas debería ser suficiente para agradecer estar vivo en esta época y no viendo King Kong en 1933.

Brad Bird es un excelente narrador y sabe muy bien como mezclar géneros, estilos y ritmos para crear algo nuevo. Tal como Remi mezclaba sabores en Ratatouille, Bird es capaz de despertar nuestro niño interior y regocijarnos de alegría. Esta película es, por sobre todo, muy entretenida. Sus dos horas de duración se pasean frente a tus ojos en un instante pero terminas satisfecho.

Showtime

Hay acción, comedia, drama, misterio y emoción en perfectas dosis pero no solo eso; maneja la contingencia de manera muy precisa. El cliché de «el papá se queda en la casa y no sabe hacer nada» se va de inmediato por la ventana abordando la situación de la madre que trabaja fuera de casa de una manera refrescante. En esta oportunidad es Elastigirl quien se luce pero la película jamás se vuelve oportunista. No es el turno de Elastigirl de brilla porque es mujer si no por quien es como personaje. En general, el tema familiar es clave en Los Increíbles y aunque en esta oportunidad no es parte del conflicto, es igual de importante al ser parte del desarrollo de los personajes.

En lo que se refiere a escenas de acción y aventuras, esta película me hizo pensar en lo poco imaginativo que es Marvel en este departamento. Tony Stark se saca de la manga cualquier invento conveniente para el momento y hay que creerle porque es Tony Stark. Hulk no hace mas que golpear. El martillo de Thor y el escudo del Capitán América son lo mismo y ninguno de los dos tiene mas de tres trucos. En Los Increíbles 2 es impresionante ver las creativas, diversas y sorprendentes formas en que estos personajes utilizan sus poderes sin jamás salirse de los limites establecidos en el principio. No hay nada irreal dentro de este universo fantástico perfectamente establecido, aquí tu sientes que la gente puede morir y cuando los personajes están en peligro, tu de verdad sientes que están en peligro. Infinity War logró eso pero lo destruyó al final. Aquí no pasa eso. Es consistente. Hasta el final.

Brad Bird siempre nos recuerda que la animación no es un género, que es un medio. No son solo películas para niños y aunque Los Increíbles 2 es técnicamente una película para niños, en rigor, es una excelente película y punto.

-Sociopedro

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Spoilers: Hablemos de Cine: OCEAN´S 8: LAS ESTAFADORAS

Si hay algo que está matando al cine como forma de arte son los estudios de mercado; el poder identificar un publico objetivo y diseñar un producto de reconocimiento fácil y consumo rápido para su deleite. Ya no existe el afán de provocar, ni siquiera de sorprender, simplemente entregarte lo que pediste en una bandeja de plástico con publicidad que debes limpiar antes de retirarte del patio de comidas.

Eso es Ocean´s 8: Las Estafadoras. Y es malo o bueno dependiendo de lo que pienses de los patios de comida.

Debbie Ocean -hermana de Danny- acaba de salir de prisión y junto a Lou, su mejor amiga y socia en el crimen, reclutan a un ecléctico grupo de mujeres para ejecutar el robo de un collar de 150 millones de dólares en medio de una lujosa y exclusiva fiesta.

En papel esto suena como una excelente idea. Ocean´s Eleven: La Gran Estafa fue un gran éxito en 2001 porque era un gran producto protagonizado por un elenco que no solo estaba compuesto por la realeza hollywoodense masculina de entonces, sino que tenían una gran química entre ellos y estaba dirigidos por un experto en narrativa visual, quien también se sentía parte del equipo. Lamentablemente estos factores no concuerdan en Ocean´s 8 y lo peor es que es palpable que ni siquiera fue la intención de los productores recuperar la magia. El encanto de este film recae exclusivamente en la magia de sus protagonistas y en ese sentido, la película funciona.

Estas caras no representan las expresiones del público viendo esta película.

La comparación con un plato de comida rápida viene porque esta película se ve deliciosa en la publicidad: Actrices encantadoras junto a iconos de la actuación moderna, acompañadas de reconocidas comediantes -y, como guinda de la torta, Rihanna– en una historia emocionante y entretenida es todo lo que necesito para comprar mi entrada. ¿Y qué es lo que recibo? Exactamente lo que me prometieron pero no tan apetitoso, ni delicado ni bien armado. Lo mismo del afiche pero no tan rico.

La relación entre las mejores amigas Sandra Bullock y Cate Blanchett no tiene ni una pizca de la química entre George Clooney y Brad Pitt. La fotografía y la puesta en escena no destacan. El montaje de reclutamiento no tiene nada de imaginación, al contrario de la secuencia del robo en si que tiene… un poquito mas. El reparto es encantador y es un deleite de ver en pantalla pero el guión es tan flojo que no tienen mucho que hacer (con Cate Blachett esto es fatal). La película está constantemente recordándote que existe Ocean´s 11: La Gran Estafa y lo buena que es. Este film solo descansa en el increíble carisma de sus protagonistas y no tiene nada mas que ofrecer. Es una oportunidad desperdiciada. Esta pudo haber sido un gran comienzo de una de esas sagas cinematográficas que tanto les gusta a los niños de hoy pero con este comienzo tan flojo, la guardaría en el mismo estante que La Momia de Tom Cruise.

Así que si anda paseando por el mall y no tiene nada mejor en que gastar su tiempo, vaya a ver Ocean´s 8. Va a servir.

-Sociopedro

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Spoilers: Hablemos de Cine: SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS

La idea de las Star Wars stories siempre me pareció interesante, aún mas que continuar la historia medular de los Skywalker. Las historias tangenciales de Star Wars podían escapar de la narrativa, de la intensidad, del género, de las convenciones, de todo lo que define a la trilogía original: mientras ocurriera en el universo de Star Wars, lo demás podía ser cualquier cosa. Las posibilidades eran lo que mas me encantaba de la idea.

Por otro lado, la corporación Disney tiene una larga historia creando entretenimiento familiar exitoso tanto en lo económico como en lo artístico y con Star Wars están tratando de hacer lo mismo -tener la torta y comérsela también- y cuando hay un panel de gente con visiones diferentes tomando decisiones sobre una idea en particular que se está desarrollando, esta pierde su foco y el resultado es un producto insípido al principio pero que genera un mal sabor de boca minutos después.

«I have a bad feeling about this»

En esta historia de Star Wars, Han Solo es una figurita de acción que recorre el universo reuniendo apresuradamente todos los accesorios que lo definen como el Han Solo que conocemos. Todo esto envuelto en una historia de contrabando, traiciones y vueltas de tuerca con cero sorpresas y algunas escenas de acción y aventuras muy bien ejecutadas.

La película no es mas que un check list de las cosas que un fan de Han Solo quiere ver en pantalla: Han conoce a Chewie, Han conoce a Lando, Han pilota el Halcón Milenario, etc. incluso nos cuenta y explica cosas que no necesitamos saber. El problema con esto es que todas esas escenas, supuestamente importantes, están desarrolladas con cero creatividad, cero suspenso y cero manejo de la emoción.

Lamentablemente esto al fan no le importa; mientras muestren a Han apropiándose del Halcón Milenario, da lo mismo que la escena sea apresurada, sin emoción ni gracia y que Solo no demuestre ninguna motivación para hacerlo. Da lo mismo que la amistad entre Han Solo y Chewbacca se de automáticamente, sin desarrollo y sin ni una mera pizca de drama. Lo mostraron y eso es suficiente. Y se le aplaude. La película no desarrolla ninguna de las relaciones que presenta. No hay tiempo para eso, es mas importante mostrar como Han Solo consiguió su famosa chaqueta (esa escena no existe en la película. Las que si existen son peores) y presentar el mítico Corredor de Kessel. Chequeo listo y pasemos a lo siguiente. Fan service mórbido.

Además, esta película es demasiado oscura para verla en 3D. Evítenlo.

Debo decir que hay muy buenas escenas de acción que nos ayudan a olvidar el embrollo narrativo que estamos viendo y escenas que logran capturar a la perfección el espíritu de Star Wars. La secuencia de Kessel es impecable, como si se hubiese diseñado y ejecutado incluso antes de que se escribiera el guión o algo así… Son muy notables dos escenas que ocurren en un club privado y en un casino clandestino, que logran escapar del cliché de la famosa cantina de Star Wars pero sin ser nefastos como el casino de The Last Jedi. El mundo Star Wars está muy bien representado en el film. Es uno de sus pocos aspectos positivos.

Sin embargo, el peor pecado de esta película es el casting de Alden Ehrenreich como el personaje titular. Lamentablemente, Alden no tiene ni un ápice del carisma que Harrison Ford le entregó a un personaje detestable por definición. Han Solo es un traficante egoísta, ambicioso y gruñón pero a través de Harrison Ford, es un bribón encantador. A través de Ehrenreich, es un tipo soberbio y desagradable que genera cero empatía con el publico.

¿Quién es ese tipo en el asiento de Han Solo? ¡Sáquenlo de ahí!

Mucho se ha hablado de Donald Glover como Lando Calrissian y de como «se roba la película», la verdad, creo que eso es imposible debido a lo poco o nada que el personaje hace en el film, además de estar ahí porque Halcón Milenario. Es el Bobba Fett de esta película. Por otro lado, lo mejor de Solo: Una Historia de Star Wars es Chewbacca. El personaje vuelve a ser el adorable monstruo peludo de las entregas originales y es muy importante en la trama. Joonas Suotamo logra capturar a la perfección el espíritu de Peter Mayhew. El resto de los personajes resultan poco interesantes debido a que solo son instrumentos para mover la trama.

En resumen, se nota que la idea original en el guión de Lawrence Kasdan era recuperar el espíritu de Indiana Jones para presentarnos una aventura unitaria reminiscente a las clásicas historias de aventuras de los años 30 y 40, pero en el espacio y que pudiera ocurrir en cualquier momento previo a A New Hope pero las obligaciones impuestas sobre el (los) director (directores) por los productores y la mesa directiva de incluir todo el fan service posible, transformaron esa historia sencilla en un desastre que pasará tristemente al olvido.

Pedro Pizarro.

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Spoilers: Hablemos de Cine: DEADPOOL 2

Deadpool fue una cachetada de aire fresco por aquel año del 2016 al presentarnos una sátira a las películas de super héroes que plagan actualmente la cartelera. Se burló de los convencionalismos, de las inconsistencias y hasta del público que las consume. Fue celebrada por ser innovadora en un mercado saturado y por imponerse entre las grandes películas de héroes actuales a pesar de tener un presupuesto microscópico. E hizo que Ryan Reynolds nos cayera bien otra vez.

La secuela era obligatoria y, acompañada de una campaña de marketing que a simple vista muestra que costó mas dinero que la misma película, Deadpool 2 llega al cine local demostrando que este personaje tiene aún mas grasa de donde cortar. Con mejores chistes y escenas de acción, esta continuación se siente como una película de verdad mientras que la original se presenta solo como relleno para justificar y alargar la escena de la autopista.

En esta oportunidad, Deadpool está mas maduro y considerando la paternidad. Es por eso que siente una necesidad imperativa de proteger a un perturbado niño mutante, que amenaza con utilizar sus poderes para el mal, de las garras de Cable, un sujeto mitad humano, mitad ciborg que a venido a matar al muchacho a como de lugar.

Al ser concebida desde el principio como una película de verdad y con mayor presupuesto, Deadpool 2 presenta un arco dramático convincente y un desarrollo de personaje típico de sitcom (no lo tomen a mal, considero que es perfecto para este tipo de películas episódicas), en las que al final de la película el personaje principal no aprende nada y queda listo y dispuesto para comenzar otra aventura casi desde cero. La película es competente en eso.

Pero lo que importa en Deadpool es el humor y en esta película hay mucho. Tanto los one-liners de Ryan Reynolds como los sketches funcionan perfecto. Es notable la influencia de Reynolds en la concepción del personaje. A diferencia de Batman o Spiderman, Reynolds es Deadpool. Creo que hasta Wolverine podría ser eventualmente reemplazado pero lo veo difícil -casi imposible- con Reynolds.

Cuando un actor es capaz de transmitir tanto a través de una máscara tan limitante, es cuando te encuentras frente a un buen actor (?)

Las carcajadas están aseguradas de principio a fin a pesar de que le juega en contra ya no ser novedad (los créditos iniciales son hermosos pero ya no sorprenden, por ejemplo) y de ser mas esporádicos en la entrega para dar paso a escenas de alto contenido dramático (en la escala Deadpool, se entiende).

Por este motivo, es interesante también como esta película le da mas espacio a Wade Wilson que al mismo Deadpool, explorando su relación con Vanessa y dando tiempo para el desarrollo y crecimiento de su personaje, lo que es vital para el desarrollo de la historia. Hay coherencia en su narrativa.

Siento que darle estos espacios necesarios para el filme disminuyen su atractivo que, para mi, es la irreverencia. El hecho de que sea mejor película, la hace menos «Deadpool». Sin embargo, a pesar de que la disfruté completamente, me pasó lo mismo que con su predecesora: Se me olvidó apenas salí del cine. La falta de consistencia en estas películas es su única falencia; no aguantan segundas visitas, es como ver nuevamente una rutina de stand up. Uno no se ríe dos veces de chistes novedosos. Quizás por eso escondieron tantos caemos e easter eggs; para obligar segundas revisiones, pero eso no es nada mas que inflación.

Igual que la moda por Deadpool.

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Spoilers: Hablemos de Cine: UN LUGAR EN SILENCIO

Una buena película de terror nunca se trata del terror; Pesadilla e It se tratan sobre las angustias adolescentes, El Resplandor es sobre la soledad y la locura, El Bebé de Rosemary sobre los miedos a la maternidad. El cine de horror explora nuestros miedos más básicos y ocultos, expresándolo a través de historias fantásticas y explícitas.

La tercera película del director John Krasinski lo aleja totalmente de su zona de confort y lo lleva hasta un terreno desconocido para él: el terror. Krasinski sale airoso porque en su mente, él no está haciendo una película de terror ni ninguna otra película de género. Él está contando una historia.

Un Lugar En Silencio trata sobre una familia que debe sobrevivir en completo silencio después de que unos monstruos intolerantes al sonido invadieron el planeta destruyendo todo lo que cause ruido. Los padres darán todo por proteger a sus hijos y enseñarles a sobrevivir en esta adversa realidad.

Desde el principio, la película le exige al espectador completo compromiso. Le obliga a guardar silencio, a concentrarse, a poner atención. Esto, junto a las increíbles actuaciones de sus protagonistas y al detallado guión de Bryan Woods y Scott Beck, lo lleva a invertir emociones en el film; otra de las claves del cine de horror. La maestría con la que el director y protagonista del film maneja y distribuye los elementos que formarán parte importante de la historia demuestran el trasfondo de lo que se nos está contando. En el fondo, Un Lugar en Silencio se trata de las angustias de ser padre, del miedo a sufrir, de dar la vida por ellos. La cinta se mete en tu corazón a un nivel tan primordial que hasta ayuda a perdonarle los errores narrativos que pudiera. No importa si estos monstruos son extraterrestres o mutaciones de algún laboratorio científico porque la película no se trata de monstruos, se trata de amor y sacrificio.

The Office predijo a Un Lugar en Silencio

Sin embargo, la película no deja de ser aterradora en ningún momento. Desde el primer cuadro, el film te agarra y no te deja respirar con pequeñas excepciones hasta el momento del clímax del que no diré nada porque es las mejores cosas que tiene este maravilloso film. Por supuesto que Un Lugar en Silencio no es perfecta; hay muchos hoyos en el guión y abusa de los jump scares (¿Algo que decir, al respecto Michael Bay?) que, por lo menos, están totalmente justificados.

En definitiva, Un Lugar en Silencio se convertirá en un nuevo clásico del terror que será discutido y disfrutado después de muchos años. Demuestra manejo cinematográfico por parte de Krasinski, las actuaciones están perfectas, sobre todo los niños Noah Jupe y Millicent Simmons. Es una experiencia sensorial impresionante que DEBE ser disfrutada en una sala de cine llena y en silencio.

Un Lugar En Silencio se sigue exhibiendo en Cinemark Iquique. Revisen los horarios y reserven sus entradas aquí. 

Escuchen Spoilers: Hablemos de Cine todos los sábados a las 17 hrs. en radio Acierto 106.7 fm, síguenos en Twitter y descarga los podcast en Soundcloud y Mixcloud

Spoilers: Hablemos de Cine: ANIQUILACIÓN

En Aniquilación, la nueva película de Alex Garland disponible ya en Netflix, hay una escena donde un escalofriante monstruo acecha a nuestras protagonistas mientras ellas no pueden hacer nada para evitarlo. Esta película causa el mismo efecto en mi y, al igual que Lena, su protagonista, yo observo con miedo y fascinación.

Esta película trata sobre una ex militar y actual bióloga y profesora universitaria que se ofrece de voluntaria para explorar -junto a un equipo de mujeres profesionales- una misteriosa zona afectada por un comenta conocida como El Resplandor, donde misteriosas cosas ocurren en el medio ambiente y desde donde nadie ha podido regresar. El objetivo de la misión es descubrir el origen y el propósito de esta fuerza que lentamente está aniquilando el planeta.

El film es un thriller de ciencia ficción con elementos de terror, de gore, de cine bélico y drama que despierta el cerebro y la imaginación como ninguna película de este tipo ha hecho en muchos años. Con muy buenas actuaciones (donde las jóvenes Tessa Thompson y Gina Rodriguez se destacan por sobre las consagradas Natalie Portman y Jennifer Jason Leigh), unas visuales impresionantes, con efectos visuales digitales y prácticos combinados con maestría, un diseño de producción hermoso y espeluznante a la vez y una historia intima y bien trabajada, balanceada con interesantes escenas de acción y sci-fi, esta película es una joya que dará que hablar por mucho tiempo.

Córranse Ghostbusters y Wonder Woman, aquí hay un real film feminista.

 

Como nos demostró en Ex-Machina, Garland entiende el concepto básico del género y lo trae a nuestros tiempos a la perfección. Aniquilación es una aventura bélica de ciencia ficción solo en su superficie y es solo una historia de amor en su segunda capa. Esta gran película es un estudio del ser humano y su natural tendencia a la autodestrucción. Es un ejemplo visual de como funciona la depresión en el hombre hasta reducirlo a un ente vacío y sin propósito. Además, el director explora lo que nace de la destrucción, el renacimiento, la reconstrucción, el cambiar, el mutar. Aniquilación es una mirada a nuestra alma que no te dejará indiferente. Esta película es tan buena e importante que es una pena que no se haya estrenado internacionalmente en cines y en los tres países donde sí lo hizo, fue un fracaso.

De acuerdo con los productores, no supieron como promocionar este film por lo que decidieron venderlo a Netflix y estrenarlo en cines solo en USA, China y Canadá con una pésima estrategia de marketing. Obviamente, la película no logró superar su humilde presupuesto de 40 millones de dólares ¿Estamos en una era crepúscular del arte en el cine donde cintas provocadoras como esta y mother!, por ejemplo, no logran despertar el interés masivo del publico adormecido, fracasando en el ámbito comercial y limitando el futuro financiamiento de este tipo de obras? Es preocupante el precedente.

Aproveche que tiene una obra de arte maravillosa a un click de distancia. Vea Aniquilación ahora en Netflix y luego escuche nuestro podcast al respecto aquí o aquí.

Escuchen Spoilers: Hablemos de Cine todos los sábados a las 15:00 hrs. en el 106.7 fm en Iquique y on-line en www.TuVerdad.c

Spoilers: Hablemos de Cine: LA FORMA DEL AGUA

En la «award season» crece el interés por ver cine de corte mas autoral que escapa a las convenciones que vemos durante el resto del año. En esta época dejamos de lado a los superhéroes, a los robots y a los magos para darle atención a los dramas independientes de nuevos artistas y a las obras maestras de grandes consagrados.

En este último grupo es donde pertenece nuestro amigo Guillermo del Toro quien ya tiene un sello reconocido en la pantalla con piezas tan peculiares como El Laberinto del Fauno, Hellboy, La Cumbre Escarlata y Titanes del Pacífico. Su nueva película La Forma del Agua, le ha valido varios premios y 13 nominaciones a los premios Oscar; entre ellos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Actor y Actriz de Reparto, Fotografía, guión original así, todos los premios importantes. En el clásico tono de Guillermo del Toro, La Forma del Agua es un cuento de hadas de antaño, de esos que no omiten detalles escabrosos o naturalidades que ruborizarían a algún puritano. De esos que no temen mostrar la crudeza de la realidad tal como es, aunque sea en un contexto fantástico.

La película cuenta la historia de una joven conserje muda que, en 1962, trabaja en un edificio gubernamental norteamericano de alta seguridad y crea un lazo emocional con una misteriosa criatura anfibia y humanoide encontrada en algún lugar de América del Sur. Ella intentará rescatar a esta criatura de su horrible destino mientras son perseguidos por el determinado coronel Strickland.

Un cuento de hadas para adultos en el estilo de Guillermo del Toro

Al igual que en muchas grandes películas, la trama es solo el pie para contar una historia mas grande y contingente y, en este caso, Del Toro pretende mostrarnos muchas cosas: Su amor por el cine clásico, por las criaturas que invadieron la pantalla hollywoodense en su época de oro, pretende, también, contarnos lo que piensa del amor en general, del trato a las minorías, de lo que se siente ser parte una de estas y en ese pequeño lugar, encontrar algo maravilloso.

Del Toro sabe. Tiene la experiencia y el amor para crear obras maravillosas y ésta definitivamente es una de ellas. Cada nominación está totalmente merecida. Lamentablemente, esta película se ve y se siente tan calculada y diseñada para producir emoción que logra lo contrario. Cada elemento es perfecto en su ejecución por separado pero, en su conjunto, queda solo el despliegue de perfección cinematográfica estéril.

La gran falla en este film está en que no establece de manera correcta la relación entre la protagonista y el monstruo. De un momento a otro la protagonista se enamora de este ser de otra especie como una quinceañera se enamora de la estrella de rock del momento. Aunque el film sea una fantasía, las relaciones de los personajes deben ser verosímiles. Precisamente esto desarma todo lo que la película ha ido construyendo hasta ese momento. Luego dejamos de lado la historia de amor para dar paso a las violentas escenas de acción correspondientes al sello de Guillermo del Toro y concluir de manera correcta.

Definitivamente vale la pena apreciar esta obra en pantalla grande solamente por el despliegue técnico y el espectáculo visual al que nos tiene acostumbrado este cineasta mexicano.

-Sociopedro

Conversamos mas sobre La Forma del Agua en nuestro podcast que puedes escuchar en Soundcloud y en Mixcloud.

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Spoilers: Hablemos de Cine: STAR WARS: LOS ÚLTIMOS JEDI

Definitivamente la saga de STAR WARS es la saga cinematográfica mas grande que jamás ha existido. Cobró vida mas allá de la gran pantalla y después de cuarenta años, y a pesar de ser legalmente de The Walt Disney Company, Star Wars es propiedad de los fans, del mundo. Ellos (nosotros) son quienes deciden el destino de esta historia. George Lucas nunca entendió eso y nos entregó las infames «precuelas».

Disney, al contrario, recopiló todo lo que los fans aman de estas películas y construyeron EL DESPERTAR DE LA FUERZA alrededor de eso. Esa película tenía un objetivo claro: recuperar a los fans mostrándoles que su Star Wars de la infancia estaba aún con vida. Y fueron exitosos. Una vez que los fans estuvieron en la palma de la mano de este Darth Vader con orejas de ratón, arrancaron de raíz todo lo que amaban y presentaron la Nueva Star Wars… Que no está nada de mal.

LOS ÚLTIMOS JEDI continua la historia de Rey en su camino a descubrir su destino y su conexión con la Fuerza con impresionantes visuales desplegados en 152 (a veces) largos minutos. Nuestra protagonista, ahora necesita la ayuda de Luke Skywalker para derrotar a la Nueva Orden. Al mismo tiempo, desarrolla una extraña conexión con su enemigo Kylo Ren. No diré mas, excepto que esto es lo mejor de la película. Se nota que es el arco que mas dedicación tuvo por parte de los realizadores. Todos los elementos funcionan y se confabulan alrededor de estos personajes para el mejor lograr el climax de todas las películas de Star Wars.

Photo: Lucasfilm Ltd.
© 2017 Lucasfilm Ltd. All Rights Reserved.

Lamentablemente, el resto de la película se siente forzada y floja. El arco de Poe Dameron junto a la General Leia y la vice Almirante Holdo es el segundo mejor desarrollado pero se siente apresurado y sin mayor fuerza dramática. La historia de Finn se siente como tirarle la pelota a un perro para que se distraiga y no interrumpa lo importante que estás haciendo. Con la Capitán Phasma sucede lo mismo; su participación en el film se siente tan forzada que sus apariciones detienen bruscamente el ritmo de la historia para volver a agarrar fuerza al cortar a la escena siguiente. Hay muchos otros tramos en que el ritmo del film se siente irregular al tener que darle tiempo y desarrollo a tanto personaje que se ha ido amontonando con el pasar de los años.

El meta mensaje que el director Rian Johnson trata de dejarnos es que esta es la película de transición entre la antigua Guerra de las Galaxias y la Nueva Star Wars. Cada vez mas, los personajes clásicos son opacados por los nuevos. Los elementos que no funcionaron bien en la entrega anterior son radicalmente corregidos pero se nota que es para complacer a los fans y zafar de los problemas que la película anterior dejó plasmados, mas que para desarrollar fluidamente la historia. En ese sentido, esta película es arriesgada e inesperada. Es una buena película… Aunque le encuentres todo mal, aún así sigue siendo una gran película.

Disney sigue haciendo un buen trabajo con esta saga, a pesar de lo que digan algunos. Es imposible dar en el gusto a todos y las expectativas estaban muy arriba esta vez. Es importante ir con la mente libre de prejuicios y esperanzas. La van a pasar bien y con ganas de repetirse el plato.

Si quieres saber mas sobre LOS ÚLTIMOS JEDI, escucha nuestro podcast aquí y aquí.

-Sociopedro

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Spoilers: Hablemos de Cine: COCO

En algún momento, Pixar asumió la responsabilidad de realizar películas animadas que pudieran llegar a los corazones de grandes y chicos a la vez sin faltarle el respeto a ninguno. Esta tarea que desarrollaron de manera impecable se vio levemente opacada el 2006 con el estreno de Cars, una película que apuntaba casi exclusivamente a los niños.

Los críticos no la quisieron mucho pero el público infantil la amó y consumió todo lo que tuviera la figura del Rayo McQueen. Este aumento en los ingresos permitió que la empresa se diera lujos con Ratatouille, Wall-E y UP, películas que tuvieron excelente recepción de la crítica y la audiencia pero que no se reflejó en el marketing (No muchos niños quisieron jugar con figuritas del sr. Fredricksen o Anton Ego) por lo que Pixar se vio obligado a compensar con secuelas descorazonadas pero financieramente exitosas como Cars 2 y 3, Monsters University y Buscando a Dory. Lamentablemente, Valiente y El Buen Dinosaurio, ideas originales, resultaron ser inferiores al resto del perfecto curriculum de la productora.

Sin embargo, el 2015 nos impresionaron gratamente con IntensaMente y este año volvieron a lograrlo con COCO, probando que Pixar aún tiene de esa magia que nos encantó a finales de los 90 y principios del 2000.

Coco es la historia de Miguel, un niño amante de la guitarra que vive en un tradicional pueblo mexicano donde la música baña cada rincón excepto en su casa donde está prohibida debido a una antigua rencilla familiar. Al acercarse la celebración del Día de Muertos, Miguel se ve envuelto en una aventura que lo llevará hasta la misma Tierra de los Muertos donde deberá encontrar la forma de regresar y cumplir una misión muy importante.

Miguel y Héctor deambulan por la Tierra de los Muertos

El norteamericano director Lee Unkrich (Toy Story 3), apoyándose en su co-director latino Adrian Molina, logra capturar de manera perfecta la mundialmente conocida tradición mexicana. Cada detalle está puesto de manera respetuosa y sutil en el film, informando todo lo que la audiencia necesita saber sobre la fiesta y la idiosincracia de sus personajes (el personaje de Abuelita es el mejor en este aspecto). Sin embargo, una construcción perfecta del mundo no sirve de mucho si no hay una fuerte historia que lo justifique. Y Coco la tiene.

La película es prácticamente una comedia de aventuras emocionantes con personajes secundarios entretenidos, mucho color y mucha música. Sin embargo, por debajo de eso se va tejiendo otro relato mucho mas íntimo que va afectando al espectador SIN QUE ESTE SE DE CUENTA hasta los últimos quince minutos del film cuando todas las piezas caen en su lugar y el corazón de la obra de Unkrich queda expuesto frente a la pantalla al igual que las lágrimas del público.

Cabe destacar que la mayoría del reparto que grabó las voces en inglés, también lo hizo en la versión doblada al español con la excepción de Benjamin Bratt, cuyo personaje Ernesto de la Cruz, fue doblado por el mismísimo Marco Antonio Solís. Un verdadero deleite. Mención honrosa a Gael Garcia-Bernal quien se luce en el papel del desgraciado Héctor.

Coco es un verdadero espectáculo. Hermosa, graciosa, tierna. Con excelente música de Michael Giacchino y con verdadero corazón latino. No se la pierdan.

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Spoilers: Hablemos de Cine: LIGA DE LA JUSTICIA

La competencia en la pantalla grande entre Marvel y DC es comparable a la fábula de La Liebre y La Tortuga de Esopo. Marvel se fue lenta pero segura construyendo su multiverso paso a paso desde Ironman en el año 2008 hasta cimentarlo con Los Vengadores en el 2012. Mientras tanto, la liebre DC se regocijaba en la confianza que el Batman de Christopher Nolan le había dado sin darse cuenta como la lenta tortuga Marvel le sacaba ventaja.

Desde entonces, DC ha intentado de manera bien torpe alcanzar a su competencia y cimentar su propio multiverso en el menor tiempo posible. Ha necesitado reinventar su formula de maneras radicales para encontrar su identidad, dar en el gusto al espectador y ser competentes como piezas cinematográficas.

Quedaron lecciones muy importantes que aprender después de la bullada Escuadrón Suicida y la exitosa Mujer Maravilla. Y queda perfectamente claro que Liga de la Justicia las aprendió muy bien. Por fin las películas DC dejan de lado ese sombrío pesimismo que embargaba a Man of Steel y a Batman v Superman.

Con precisos 120 minutos, Liga de la Justicia es una película muy entretenida de principio a fin. De esas que son tan entretenidas que todos los errores argumentales que pudiera tener pasan casi de manera invisible por el lente de Fabian Wagner. Y eso debe agradecerse en gran medida a la química que producen sus protagonistas liderados por la carismática Mujer Maravilla (un cambio de enfoque de última hora gracias al éxito de su film) y Batman, el capitán del equipo, quienes son seguidos por Aquaman, The Flash y Cyborg. No todos están muy bien desarrollados o parecieran tener un propósito claro en la película pero lo importante es que todos se llevan muy bien y de verdad se siente un sentido de equipo, aun mas que en Los Vengadores. Reconocimiento aparte merece The Flash quien funciona como el comediante del equipo y calza perfecto con el film.

Gal Gadot, pieza clave del film

El director Zack Snyder debió dejar la producción del film de manera abrupta luego de una tragedia familia y Joss Whedon, director de Los Vengadores, tomó su lugar para terminar la filmación y supervisar la post producción. Es posible ver la mano de Whedon sobre el trabajo de Snyder pero de manera armónica, sin invadir. Liga de la Justicia tiene mucho humor, es mas colorida, tiene personajes mas entretenidos, con una trama mas sencilla, escenas de acción impresionantes, con un villano mas genérico y no muy memorable, para nada depresiva ni malhumorada. Por fin DC hizo algo que debió haber hecho desde un principio: Una película de superhéroes.

El mítico Danny Elfman compuso la banda sonora y es imprescindible que le pongan atención a cada nota.

Liga de la Justicia no es una película perfecta pero es muy entretenida. Rompe con los esquemas impuestos anteriormente pero sin negar que es parte de una historia mas grande. Por fin DC comprendió que sus películas deben ser igual que los cómics: diversión fantástica que no se toma demasiado en serio.

-Pedro Pizarro Rojas

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Spoilers: Hablemos de Cine: THOR: RAGNAROK

Marvel Studios es la prueba fehaciente de que el problema con las super producciones hollywoodenses no es que esté en manos de los ejecutivos si no, cuando estos ejecutivos no conocen el material con el que están trabajando ni como funciona el mercado del cine. Y Disney sabe eso. Sabe que para recibir hay que dar, escuchan a su público y le dan lo que quiere. Y lo hacen bien.

El productor general del multiverso Marvel, Kevin Feige, ha ido puliendo su técnica con cada película que pasa, probando distintos tonos y géneros, dominando la taquilla y encantando a la audiencia desde Ironman en el 2008. Feige perfecciona la simbiosis entre director y productor, entre arte y negocio y probablemente Thor Ragnarok sea la prueba mas palpable.

Después de enterarse de el inminente Ragnarok, una profecía apocalíptica que amenaza con destruir Asgard, el hogar de Thor, nuestro héroe titular deberá pasar por un montón de aventuras junto a su hermano Loki y a Hulk, su «amigo del trabajo» para evitar que esta se cumpla.

Dirigida por Taika Waititi, Thor Ragnarok es definitivamente una comedia irreverente, casi una parodia de si misma y de todo el universo Marvel. De un principio nos queda claro que nada será tomado en serio, que nadie está verdaderamente en problemas y que no debería sorprenderte si Thor mira a la cámara, sonríe y le brilla un diente (tranquilos, no lo hace). El baño de frescura que Thor Ragnarok aplica a esta franquicia ya venía preparándose con Guardianes de la Galaxia y Ant-Man. La nueva película del director de What we do in the shadows hace algo que ninguna de las nombradas ha hecho: se burla de la santidad de Marvel. Esta película se siente como un niño jugando con figuritas de acción y lo digo de la mejor manera. Este niño está siendo vigilado de muy cerca por un adulto responsable que sabe darle la libertad necesaria para que de rienda suelta a su imaginación.

Hay Jeff Goldblum también

Visualmente la película es muy atrayente, el uso de los colores, los encuadres y la música crean un universo nuevo que recuerda mucho a una onda neo futurista ochentera. Al igual que todas las películas Disney, el efecto 3D funciona muy bien y aporta a la creación del mundo. Aunque narrativamente es una película para ver en la casa un domingo por la tarde, es un deleite de ver en pantalla grande.

Thor Ragnarok puede reírse y faltarle el respeto a su fuente y al universo al que pertenece porque conoce y quiere mucho su material original. Puede reírse de sus predecesores como un bebé se ríe de su abuelo al tirarle las barbas.

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Spoilers: Hablemos de Cine: BLADE RUNNER 2049

Por supuesto que después de Sicario y La Llegada, Dennis Villeneuve era la mejor opción para dirigir la secuela del clásico que cambió las reglas del cine de ciencia ficción en 1982.

Este joven director tiene un destacado talento para crear personajes complejos y con conflictos internos fuertes; además de poseer un estilo visual que ha ido perfeccionado junto a su colaborador, el gran director de fotografía Roger Deakins, con el que han creado mucho mas que visuales espectaculares: Crean imágenes que transmiten sensaciones y que construyen universos. El mundo de Blade Runner, creado por Ridley Scott hace 35 años, está a salvo en estas nuevas manos.

30 años después de los eventos en Blade Runner, los replicantes son prohibidos por completo y los sobrevivientes son forzados a la clandestinidad. «K» es un Blade Runner que debe encontrar y «retirar» a los replicantes que encuentre. Luego de la aparición de un cofre con un misterioso contenido, «K» deberá encontrar a un niño perdido, despertando debates y contradicciones psicológicas en su interior mientras descubre su verdadera posición en el universo.

Al igual que la obra original, Blade Runner 2049 es una mezcla de cine negro y ciencia ficción. El caso que el detective debe resolver es la excusa para la prolongación de la pregunta presentada en su predecesora: «¿qué es ser Humano?» Pero la pregunta no se repite, se complementa. Villeneuve no hace un remake, no presenta una historia nueva en el mismo universo. Esta película es una legítima secuela que continúa de manera muy eficiente la historia original, expandiendo el universo de una manera que en estos tiempos se siente fresca.

Nuestra salita local no alcanza para tanta belleza.

De una forma mas competente que en The Force Awakens, por ejemplo, el universo construido por Scott en 1982 sirve como base para que Villeneuve construya el suyo y el calce es perfecto. Se mantiene el espíritu, el ritmo, el estilo en general, pero de una manera naturalmente evolucionada. En general, la película es superior a la original excepto en el soundtrack pero debe ser porque tenemos a Vangelis tan incrustados en el inconsciente que no es difícil considerar algo como mejor. La fotografía de Roger Deakins es objetivamente hermosa y perturbadora. Es el trabajo de un maestro con años de experiencia y con todos los recursos a disposición de su arte. Es precioso.

Es importante precisar que esta película no sigue las convenciones que el publico común estaría esperando de una película de ciencia ficción. La película escapa de todos los convencionalismos hollywoodenses. No hay explosiones espectaculares ni persecusiones infartantes. Es una película artística de ciencia ficción de dos horas y veinte minutos donde casi todos los conflictos son internos. Le recomiendo ver la original antes de ir a ver esta.

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Spoilers: Hablemos de Cine: EL JUEGO DE GERALD

Personalmente, me intrigan las películas que se imponen dificultades narrativas. De inmediato uno sabe que se enfrentará a algo distinto, a algo nuevo. A algo que Hollywood necesita.

Luego de la encantadora Okja, Netflix nos presenta «El Juego de Gerald». Basada en una novela de Stephen King considerada hasta ahora «infilmable» y dirigida por Mike Flanagan, es la historia de Jessi, quien junto a su marido Gerald deciden pasar un fin de semana romántico en una lejana y solitaria cabaña. En un intento por reavivar su vida sexual, Jessi es esposada a la cama matrimonial por Gerald quien, sorpresivamente, sufre un paro cardíaco cayendo muerto sobre su mujer. Al verse imposibilitada de escapar, Jessi entra en un estado psicótico que la llevará por un viaje devastador a los rincones mas oscuros de su vida.

Con un increíble diseño de producción minimalista, excelentes actuaciones y un muy buen guión, esta película logra esposarte a tu asiento, obligándote a experimentar junto con Jessi su descenso hacia la locura; es de esas películas tan devastadoras que uno no quiere repetirse. La protagonista no debe enfrentarse a un monstruo o un fantasma, debe enfrentarse a ella misma y es impresionante como el director logra transmitir eso en una película que transcurre en una sola habitación y con su personaje principal inmovilizado.

Carla Gugino se luce a pesar de las restricciones

«El Juego de Gerald» no es como «127 Horas» en la que el tema es la fuerza proveniente del espíritu. Esta no es una película de superación física sino espiritual. Las esposas de Jessi no se comparan con las aprehensiones que ella misma se ha impuesto durante su vida. Hasta podríamos decir que este film es una película feminista en el sentido en que trata de una mujer liberándose de las ataduras sociales impuestas sobre ella durante siglos.

El trabajo de cámara es especialmente notable en el sentido que explora cada centímetro de la habitación para mostrarnos siempre un punto de vista distinto; los planos no se repiten, hay jump cuts con propósitos narrativos que funcionan muy bien, y el uso del color, aunque no siempre sutil, es muy bello. El sonido es utilizado con maestría para separar la realidad de las alucinaciones y para resaltar el terror creciente en Jessi. Técnicamente la película utiliza recursos clásicos para desarrollar el suspenso sin caer en los artilugios de siempre utilizados en el género.

Esta arriesgada apuesta de Netflix ha resultado ganadora; muchos ya la consideran una de las mejores películas del año. Yo estoy entre esos. El Juego de Gerald es una prueba mas de que el cine no necesita presupuestos inmensos para cautivar. La imaginación y la creatividad es todo.

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Spoilers: Hablemos de Cine: ¡MADRE!

Que tesoro es poder experimentar esta película en una sala de cine comercial en una ciudad donde «Minions» estuvo en cartelera durante meses. La nueva película de Darren Aronofsky, director de perturbadoras cintas como Requiem por un Sueño, Pi: Fe en el Caos y El Cisne Negro es un desafío para el espectador. Una obra de arte financiada por Paramount Pictures. Una apuesta demasiado arriesgada.

A muy grandes rasgos, ¡madre! es la historia de un matrimonio compuesto por  «Madre«, una joven mujer y «Él«, un ya maduro escritor con bloqueo creativo, quienes viven en una remota casa en medio de un bosque. La casa ha sido el eterno hogar de Él y está siendo remodelada por Madre luego de ser destruida por un voraz incendio. Una noche son visitados por «Hombre«, un misterioso hombre quien es extrañamente muy bien recibido por el dueño de cada despertando sospechas en Madre. Luego llega «Mujer«, esposa de «Hombre» (y lo mejor de la película), complicando aún todo mas para «Madre». Decir que, desde ahí, las cosas se ponen «extrañas» es poco. Sin deja la confusión de lado ni por un segundo, la película va lentamente entrando en el terreno de lo fantástico y lo irreal hasta llegar a niveles tan inexplicables como maravillosos y desgarradores. ¿Notaron los nombres de los personajes principales? Raro ¿cierto?

Esta película está loca.

Tu cara viendo «¡madre!»

La cinta ha obtenido diversas reacciones y personalmente vi gente levantarse de sus asientos y abandonar la sala en medio de risas de confusión, prueba de lo acostumbrados que estamos a ver siempre la misma historia contada de la misma manera. Cuando llega una película como ¡madre! es natural que la reacción del público que fue a ver una cinta de terror convencional se sienta confundida y culpe a la obra de ser «mala» o «fome«. No creo haber visto jamás una película como esta. Esta no es la película de horror que quieres ver. Esto es algo mas. Mucho mas.

Esta película es Darren Aronofsky haciendo lo que quiere, sin restricciones y censuras. Es expresión artística salvaje y en pleno.

Es importante resaltar que ¡madre! no es una película convencional, es casi una obra de teatro filmada de manera exquisita, llena de desconcertantes primeros planos que comprimen aún mas el mundo de la protagonista. Todo aquí es una metáfora o una alegoría; nada es lo que parece y todo representa o significa algo mas. Aquí no está la respuesta a quien es el asesino, que espíritu está poseyendo la casa o cual es la solución al horror. No. El valor de la película está en que, como buena obra de arte, la interpretación te la deja a ti. Para mi, el film es una historia sobre ser mujer en un mundo machista, es sobre el efecto del éxito y la fama en quienes te rodean, es sobre el proceso creativo, es sobre la lucha entre el ego y el instinto, es sobre Dios, la Tierra y la humanidad, es sobre el amor y el ser humano. Es sobre el sacrificio. Es sobre eso y sobre todo lo que tu mente pueda descubrir.

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Spoilers: Hablemos de Cine: MAMÁ SE FUE DE VIAJE

Mamá se fue de Viaje es una comedia argentina que en este momento la está rompiendo en nuestros países vecinos y de verdad es un deleite ver una película de esta factura en nuestra sala local.

Ariel Winograd es un director con vasta experiencia en comedias y se nota su manejo tanto con los actores como con la cámara. Sabe construir comedia desde estos dos flancos y mayormente su trabajo es un éxito. Los primeros diez minutos son maravillosos y con un despliegue técnico de producción impresionante que de entrada ya  sabes que esta es una película de gran presupuesto y de grandes risas.

La historia trata sobre Victor y Vera, un matrimonio acomodado y padres de cuatro chicos. Cuando la mamá finalmente se harta de ser tratada como empleada decide irse de vacaciones a Machu Pichu dejando al padre al mando de la casa y de los revoltosos chiquillos. Obviamente cunde el pánico a niveles absurdos hasta llegar a un espectacular clímax donde… bueno, ustedes ya saben.

Un conejo en llamas

Si la trama les suena parecida es porque es la misma idea del capítulo de Los Simpsons «Homero se queda solo» donde Marge decide irse de vacaciones a Rancho Relaxo dejando a Homero con los niños. Bueno, resulta que Winograd es un GRAN fan de Los Simpsons y esta película es un homenaje latinoamericano al legado de Matt Groening. Y funciona.

El film tiene niveles de comedia ridículos pero que calzan perfecto en el mundo que el director construye, la película se deja ver con liviandad y a pesar de ser una trama familiar, los gags son originales o, al menos muy bien filmados y sacan buenas risas. Es importante resaltar el nivel de la fotografía, la cámara es muy importante a la hora de crear comedia o resaltar emociones. Hay unos planos secuencias muy interesantes donde la cámara serpentea por toda la casa y el maravilloso lente de Felix Monti siempre está sobre algo hermoso de ver.

Pero si hay algo de verdad destacable es la actuación del reparto, especialmente los niños (El bebé Lolo se roba la película) que transmiten una honestidad impresionante y que, a pesar de sus personajes ser unos chiquillos miserables, aún logran hacerte reír.

En general es una comedia familiar liviana de alta producción y muchas risas que vale la pena ver en pantalla grande. No se la pierdan.

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Spoilers: Hablemos de Cine: IT (ESO)

La figura del payaso Pennywise de la miniserie IT: El Payaso Asesino de 1990 causó tal impacto que existe gente que no ha visto la película solamente por el terror que les causó ver al personaje en el afiche o en el tráiler.

Es interesante que Stephen King haya utilizado la figura de un payaso para el antagonista de una de sus mejores novelas como representación del miedo: algo siniestro que se oculta tras una fachada sonriente y amigable.

Esta nueva versión de este clásico literario le hace justicia al libro. Lo toma como base y cumple. Vayan.

IT es la historia de un grupo de niños que viven en el extraño pueblo de Derry, un lugar aparentemente normal pero con un aura bastante extraña. Se hacen amigos al tener en común el ser parias sociales en la escuela y victimas constantes de bullying, pero hay algo mas: Todos han tenido extrañas visiones relacionas con un payaso de ojos brillantes y dientes afilados. Juntos decidirán enfrentar al payaso, a la vez que enfrentan sus más profundos miedos.

Tus miedos mas internos, man.

El director argentino Andy Muschietti actualiza la novela de King cambiando la época de 1950 a 1980 y tiene mucho sentido: los temores de esa infancia no son los mismos de la siguiente; no somos la misma audiencia.

Pero la audacia del director va mas allá, tomándose el tiempo que necesita para desarrollar correctamente a sus personajes y enfocándose exclusivamente en sus etapas infantiles (recordemos que la novela abarca hasta ver a los personajes ya adultos). Esto es muy importante ya que el blanco al que apunta Pennywise es a los miedos internos de los niños y si nosotros como audiencia no logramos comprender a ese nivel a nuestros personajes, la película no funciona. Por eso la duración del film sobrepasa las dos horas; hay mucho desarrollo de personaje pero también hay muchas escenas de terror que van aumentando en impacto a medida que la película avanza.

Todos los elementos que componen esta película están utilizados a la perfección. La mezcla entre la ternura y la inocencia en las escenas de los niños contrasta de manera sublime con el terror en las secuencias con el payaso asesino. Aunque, definitivamente, IT no se convertirá en un nuevo clásico del cine de terror (espero comerme mis palabras cuando se estrene el segundo capítulo), esta película es una experiencia que deben disfrutar en una sala de cine.

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Spoilers: Hablemos de Cine: BABY, EL APRENDIZ DEL CRIMEN

Baby, El Aprendiz del Crimen es una de las películas mas suculentas que ha llegado a las salas locales este año. El guionista y director Edgar Wright utiliza cada centímetro de la pantalla y cada decibel que explota por los parlantes para entregarte información, sensaciones o simplemente algún entretenido detalle que enriquezca la experiencia. Esta película es una muy bien contada historia y, al mismo tiempo, una experiencia cinematográfica única.

Baby es un joven y misterioso chofer especializado en escapes de la policía a alta velocidad por las calles de Atlanta, EE.UU. siempre con increíble música en sus oídos, la que utiliza para sincronizar sus escapes y vivir su vida. Trabaja para Doc, quien se encarga de organizar distintos robos con diferentes equipos de trabajo siendo Baby el único constante en los atracos. Baby quiere dejar el mundo del crimen y huir junto a su novia Debora pero no será tan fácil.

En apariencia este film podría parecer un knock off de Rápido & Furioso pero es mucho mas que eso. A diferencia de las películas de acción convencionales, Baby, el Aprendiz del Crimen no olvida que la acción debe ser siempre una extensión del personaje; El virtuosismo de Baby al volante y el maravilloso soundtrack no son solo decisiones estéticas, son producto del conflicto interno por el que pasa el protagonista. Así, nosotros como espectadores nos comprometemos emocionalmente con lo que ocurre en pantalla.

Y actúa Flea, de los Red Hot Chili Peppers. Caso cerrado.

Otra de las peculiaridades en el cine de Edgar Wright es su obsesión por los easter eggs o pequeños detalles ocultos en la imagen y el sonido. Todas sus películas son verdaderos desafíos a los sentidos y nos obligan a revisar su filmografía una y otra vez. Ésta, su sexta película, no es la diferencia. Eventualmente notarán detalles obvios como las letras de las canciones del soundtrack escondidas a través de la pantalla o los balazos al ritmo de la música pero de seguro se escaparán varios detalles mas: tu cerebro sabe que vio algo pero no sabe que es lo que vio.

Con escenas de acción trepidantes, una banda sonora encantadora, un montaje de lujo, coreografías perfectas, un reparto espectacular con dos ganadores del Oscar y una dirección impecable, Baby, El Aprendiz del Crimen se suma a la lista de buenas películas que nos ha entregado Hollywood este año.

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